A tese apresentada, cuja fundamentação teórica tem a finalidade de abordar a arquitectura das edificações destinadas à realização de artes performativas, visa esclarecer os meios e conceitos pelos quais se atinge a sua concepção. As artes performativas implicam relações entre várias áreas de conhecimento, manifestando os seus ideais, através da representação física, perante uma audiência. Tal forma de arte põe à prova as capacidades do corpo humano, tendo como suporte uma estrutura, cuja constituição reúna capacidades técnicas favoráveis à sua performance. A expressão artística destinada a um público necessita sempre de um palco. Esta edificação é concebida consoante o tipo de produção. As artes cénicas reúnem características diferentes, de tal modo que a organização do espaço onde elas se realizam varia. A complexidade das estruturas dedicadas a este género de produções provém da relação da geometria da arquitectura entre o palco e auditório. A organização técnica das suas superfícies irá determinar o tipo de acústica e iluminação pretendida para determinado género artístico. A edificação destas estruturas depende também do meio onde se pretende executar a sua projecção, tendo em consideração a sua relação urbana, ou seja, o modo como o seu espaço é organizado em determinada urbanização, dependendo da análise das condições sociais, económicas e culturais da cidade. Um dos capítulos desta dissertação dedica-se a um caso prático ante o qual é examinada a projecção de um edifício destinado às artes performativas. Será feita uma abordagem aos conceitos técnicos analisados na parte teórica da dissertação colocando em prática esses mesmos conceitos.

O seguinte trabalho foca a criação do ciclo de obras multimédia Circus Float, abordando os aspetos essenciais ao seu desenvolvimento desde a inspiração até à concretização da obra. Dá particular atenção ao funcionamento do processo criativo na sua generalidade, estabelecendo uma relação ao experienciado na criação desta obra. No final do trabalho são apresentadas duas análises de distintas partes do ciclo para retratar o pensamento musical e criativo na composição de Circus Float, seguidas das partituras. O CD em contém as partes/músicas eletrónicas do ciclo.

O presente trabalho propõe-se fazer um estudo comparativo de duas obras: À Espera de Godot, de Samuel Beckett, e A Espera, de Helena Botto. A segunda consiste numa performance adaptada da primeira. Ambas se inserem numa tipologia de teatro designado Teatro do Absurdo e como tal, torna-se necessário fazer uma contextualização e análise do mesmo. Sendo a performance de Helena Botto uma adaptação da referida obra de Beckett, este trabalho contempla uma secção dedicada ao estudo deste fenómeno, destacando a questão da fidelidade à obra adaptada. Numa segunda fase, este trabalho procura estudar a transposição da performance de Helena Botto para filme, bem como, a possibilidade de um público específico fazer a visualização do mesmo de forma interactiva, mais concretamente segundo uma ordem cronológica diferente da original. ABSTRACT: The following work proposes a comparative study of two plays: Waiting for Godot, by Samuel Beckett, and A Espera, by Helena Botto. The latter consists of a performance adapted from the former play. Both are encompassed by the theatrical concept of The Theatre of the Absurd and, as such, the need arises to contextualize and analyze this concept. Due to the fact that the work of Helena Botto is an adaptation of Beckett’s, this study includes a section dedicated to the understanding of this phenomenon, questioning whether or not the adapted work is faithful to its original rendition. Following this first phase, this work aims to study the transposition of Helena Botto’s performance into film, as well as the possibility of an interactive visualization by a given audience, using a different chronological timeline than the original work.

Nos dias de hoje, é cada vez mais notória a aplicação da multimédia nas artes performativas. Da dança à música, passando pelo teatro, as novas tecnologias estão a surgir como ferramentas criativas ao dispor dos seus autores. O presente trabalho pretende conhecer e analisar o impacto da inserção da multimédia, neste caso a animação, numa peça de teatro. Esta dissertação compreende uma revisão bibliográfica importante para a contextualização das duas temáticas, multimédia e teatro, bem como entrevistas realizadas a profissionais das duas áreas. Realizou-se uma animação com base num excerto da peça de teatro “A Espera”, em contexto empresarial, que foi posteriormente utilizada para verificar a questão principal deste trabalho: Os contributos da multimédia no enriquecimento das artes performativas. ABSTRACT: Nowadays the use of multimedia in performative arts is very present. From dance to music and theatre the new technologies are becoming a creative tool in the hands of the artists. The present essay aims to know and analyze the impact of multimedia, in this particular case, animation, in a theatre play. This essay has a bibliographic review, necessary to the contextualization of the two major themes, multimedia and theatre, plus interviews made to professionals. It was created a animated movie based in the play “A Espera”, in the practical part of the essay, that was used to verify the main question of this work: The contribution of multimedia on the enrichment of performative arts.

A morte e os seus rituais têm expressão espontânea e visível na performance artística contemporânea, ao contrário do que sucede no quotidiano da sociedade ocidental do século XXI, que promove a sua ocultação. Esta investigação tem como objectivo analisar dois casos de performance artística, Hermann Nitsch e Marina Abramovic, à luz de um corpo conceptual de análise centrado nos rituais da morte ocidentais. Para melhor compreensão deste processo, procura-se estabelecer a ligação entre ritual e performance. Dado que o ritual mantém igualmente uma relação de proximidade com a religião, pretende-se averiguar se, e de que modo, na performance artística contemporânea, a morte e os seus rituais conseguem atingir os propósitos de um ritual religioso. No decorrer desta pesquisa também se verifica que a intenção inicial da performance artística, que era unir a vida e a arte, permanece no domínio da utopia ABSTRACT: Death and its rituals have a visible and spontaneous expression in contemporary performance, as opposed to what happens in the daily routine of XXI century western society that hides it. This investigation aims to analyze two cases of performance, Hermann Nitsch and Marina Abramovic, according to a conceptual body of analysis centered in western death rituals. In order to have a better understanding of this process, the relation between ritual and performance is established. Because ritual is also closely connected with religion, this study seeks to acknowledge if and how death and its rituals are able to achieve the purpose of a religious ritual in contemporary performance. During this research it is verified that the original intention of performance, which was the union of life and art, remains in the realm of utopia.

O processo de integração europeia, em particular a sua dimensão cultural, temse constituído como um tema de múltiplas discussões, interpretações e posicionamentos ao longo das últimas décadas, com relevante impacto nos cidadãos europeus e, em consequência, nas organizações do setor cultural e criativo. O propósito institucional e político de construção da identidade cultural europeia tem sido descrito como uma utopia, face aos obstáculos, problemáticas, avanços e recuos. Mas estaremos de facto perante uma utopia inatingível? Este trabalho de investigação centrou-se no papel que os profissionais das artes performativas poderão desempenhar neste processo, em especial através das suas atividades de cooperação cultural e mobilidade transnacional. A análise teve início através de uma revisão bibliográfica e documental sobre o historial da estratégia top-down de desenvolvimento da identidade cultural europeia. Aspetos centrais da ação cultural e dos valores europeus, bem como os diferentes conceitos e percepções de identidade são considerados e interpretados, observando algumas problemáticas associadas. A investigação foi complementada por um estudo de campo exploratório realizado através de inquéritos e entrevistas a profissionais europeus das artes performativas, procurando observar a existência concomitante de estratégias bottom-up que possam contribuir organicamente para uma transformação que se pretende dinamizar, por vontade política. É neste contexto que se coloca a questão central: poderemos classificar os profissionais europeus das artes performativas como agentes facilitadores do processo de desenvolvimento da identidade cultural europeia? A dimensão da mobilidade transnacional e da cooperação cultural europeia revelam-se como os fatores-chave da resposta, contribuindo para uma dimensão europeia progressivamente mais generalizada no contexto das artes performativas, com enorme potencial de contributo positivo para a disseminação dos valores europeus.

As peças de vestuário para as artes cénicas são muito relevantes, uma vez que representam as componentes da expressão e da comunicação que contextualizam uma obra. Têm também grande influência na capacidade expressiva do artista, daí a importância de continuar a procurar novas formas de expressão neste sector. O propósito deste estágio tem sido investigar as fases do processo de conceção do figurino e estudar a aplicação de técnicas têxteis de modo a oferecer um impacto visual e conceptual no palco. A concretização deste objetivo foi de encontro ao meu interesse em evoluir profissionalmente nesta área, com a grande motivação de trabalhar numa marca reconhecida neste setor, especializada no uso de técnicas e manipulação têxtil. Com o objectivo de apresentar o tema da investigação, foi realizada uma abordagem teórica para contextualizar melhor as diferentes áreas abordadas ao longo do processo, bem como informação sobre a empresa, a sua estrutura, métodos de trabalho, projetos realizados, etc., o que permitiu uma melhor compreensão do propósito da investigação e uma análise das metodologias ao longo das práticas. A metodologia aplicada durante este estudo é de natureza qualitativa intervencionista, relevante para investigar a criação, produção e função dos figurinos nos projetos de grande envergadura desenvolvidos durante o estágio. Este estudo de formação foi produzido com uma análise crítica e detalhada, revisão e discussão da experiência profissional adquirida, dando apoio à designer no decorrer do seu processo criativo, em cada um dos seis projetos desenvolvidos durante o estágio académico entre Fevereiro e Julho de 2019.

A presente dissertação de mestrado em economia e políticas públicas procura analisar o efeito da despesa pública na procura de bens culturais, entendidos estes enquanto bens de mérito. O trabalho de Baumol e Bowen Performing Arts: The Economic Dilemma (1966) é enunciado na literatura como estando na génese da criação da disciplina da economia da cultura. Este trabalho tem o grande contributo de desenvolver um modelo de crescimento económico não equilibrado, onde os aumentos dos salários nos sectores que não experimentam ganhos de produtividade se devem ao efeito mimético daqueles em relação aos sectores onde se verificam ganhos de produtividade. Em resultado do aumento dos salários nos sectores sem ganhos de produtividade, contrário ao postulado da economia segundo a qual os salários devem reflectir a produtividade do trabalho, verifica-se um aumento dos preços dos bens produzidos. Este aumento de preços tem efeitos díspares consoante a reacção, elástica ou rígida, da procura: o desaparecimento daqueles sectores ou a diminuição do crescimento económico. Neste quadro, a presente dissertação analisa a procura em artes performativas no caso português utilizando dados anuais de 1960-2008. Após a aferição da existência de raízes unitárias nas séries estatísticas usadas, é estimado um modelo econométrico de procura que permitirá testar a lei de Baumol. Conclui-se que a lei de Baumol é verificada nas despesas da cultura em Portugal e são retiradas as implicações de política cultural.

É um lugar relativamente comum associar-se a representação do corpo nu em cena a uma qualquer forma de violência: uma forma de violência sobre o próprio corpo do actor, sobre os costumes vigentes que a maioria dos espectadores partilhará ou sobre uma qualquer ideia abstracta de corpo da humanidade. Este texto explora a relação entre violência e o corpo nu, entendendo a nudez em cena como um meio para resgatar o teatro da banalização e como uma forma de visar uma modificação do real através da transformação dos intervenientes no processo teatral. Um corpo (nu) que se apresenta em cena como um palco para a transformação social.