The research proposes to study Brazilian scripts of the decades of 1920 and 1930, through publications in the magazines O fan, A cena muda e Cinearte. The objective is to identify and understand the forms and possible particularities of these texts. The development of the study is based on three axes. In the first one, a theoretical reading of the scripts is performed, focusing on the diversity of looks and considering what the practical manuals say about them. In sequence, we present a historical notion of the screenplays, considering the silent era of cinema and the transition to the spoken cinema. Leaving the North American scene, the moment is taken to deal with specificities of the Brazilian scenario, based on articles written for the magazines O fan, A cena muda e Cinearte. Finally, we study scripts published in these same journals, adopting as a technique the critical analysis of these texts. It was tried to understand what were the characteristics of the Brazilian cinematographic writing of the 1920s and 1930s. In thinking the scripts as historical objects, this research encourages new studies on the subject, observing the scarcity of this discussion in the academic scope. The research also concludes that the Brazilian scripts of this period were directly related to North American writing standards, despite having specific traits and experimentation.

A ideia de realizar um doutorado é desafiadora para todos os que planejam o percurso. Lembro Umberto Eco, ao afirmar que à alçada do autor não compete a interpretação de seu trabalho, mas o depoimento de como e por que escreveu. Esta tese consiste no resultado de minhas inquietações como roteirista e de minhas pesquisas acadêmicas, a partir das quais foi empreendida uma análise comparativa entre o conteúdo de manuais de roteiro e o que de fato um roteirista utiliza em sua feitura. Para tal, a escolha foi a de criar uma cinebiografia de Machado de Assis. Embora seja um dos escritores brasileiros mais conhecidos e respeitados pelo público e reconhecidos pela crítica literária nacional e internacional, o autor não possui, até o momento, sua vida biografada para as telas do cinema e da TV. Portanto, optou-se por desenvolver um roteiro para o audiovisual com a proposta de um longa-metragem que posteriormente desdobra-se em uma minissérie em quatro episódios para a TV ou o streaming. Para esse fim, foi realizada uma comparação entre técnicas elencadas pelos manuais de roteiro, aplicando algumas e subvertendo outras ao longo do processo. A última parte desta tese consiste em um pós-escrito, em uma linha de trabalho inspirada pela obra Pós-escrito a O nome da rosa (1985), de Umberto Eco, na qual o autor explora os processos de pesquisa e escrita do romance em questão

It is remarkable that what many consider as Salman Rushdie’s landmark work in fiction, Midnight’s Children, was first adapted to film only in 2012, 31 years after its publication. It was also the first of his works to be filmed. This is noteworthy given the novel’s cinematic self-awareness and the writer’s overt interest in acting and cinema, which he has reiterated over the years. Cinema, as a subject matter and a distinctive artistic language, resurfaces time and again in the pages of Rushdie’s essays, short stories, novels, and other writings. As many critics have pointed out, the writer’s emotional connection to cinema has translated into cinema itself being put to work as a mediating device in his oeuvre, with his characters often making sense of themselves and the world — and coming to terms with their own place in it — through cinema. In this article, we examine the three existing adaptations of Midnight’s Children, with particular emphasis on the 2012 film, in view of their discursively constructed audiences. We consider these adaptations from the point of view of the audience, and how they engage with the spectator/reader. Our analysis is supplemented by Rushdie’s essays on the acts of adaptation and translation from one artistic medium to another. Our purpose is not to measure the failure or success of Rushdie’s and Mehta’s adaptation (although an aesthetic evaluation would indeed be of interest); we argue instead that the film adaptation is a protracted creative project that has taken into consideration, more than previous adaptations of the novel, not only new forms of representation and new ways of reading, but also new ways of engaging its constructed audiences.

Filha da Bruxa! is the title of the final project for the Master's in Creative Writing, which consists of writing a screenplay for a short film, focusing on the reinterpretation and rewriting of popular mythological figures and their relation to the representation of women. The project is divided into three parts: the first being the screenplay for the short film; the second includes the storyboard of the narrative; and the third part encompasses a critical reflection on the writing process, supported by theoretical research. The plot revolves around a family composed of four women: a grandmother, a mother, and two daughters. Structured into four chapters, each one is centered on a different character, symbolically linked to a distinct figure from popular mythology — Death, the Restless Soul, the Enchanted Moura, and the Witch. The research and writing process aims to reinterpret these mythological figures, analyzing how their representations can perpetuate negative stereotypes about women. Through the symbolic connection between mythology and character, the screenplay explores the dynamics and relationships between these women. The central goal of this project is to connect the most modern of all arts, cinema, with the traditional universe of popular mythology, giving it new life and perspective while preserving its essence. By revisiting and reinterpreting traditional myths, the intention is to question and transform perceptions of the female characters within them, placing them in a contemporary narrative that engages with issues of gender and feminism.

Symposion é um argumento cinematográfico original desenvolvido como trabalho de projeto final do mestrado em Estudos Artísticos da Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra. O texto elaborado apresenta duas narrativas. A primeira conta a história de cinco amigos que se reúnem para um jantar, anos depois de terem terminado a faculdade. A segunda narrativa, sob a forma de flashback constrói uma história paralela que contextualiza as personagens durante esse período anterior permitindo que se observem esses cinco amigos, agora acompanhados por um outro, no decurso da última noite de faculdade, quando vão a uma festa. O argumento foi concebido com a intenção de escrever algo sem antagonista, e portanto sem uma história narrativamente complexa. Ou seja, as personagens habitam as cenas sem uma preocupação maior que as ameace. O argumento procura apresentar um diálogo que nasce dessas circunstâncias, ou da falta delas, traduzindo assim a leveza com que as personagens habitam as cenas. Este diálogo é uma peça chave do texto, e tentei explorar ao máximo o seu valor. As conversas entre as personagens são de certo modo a história em si. Adicionalmente, escrevi um comentário ao argumento, no qual faço uma reflexão pessoal sobre o processo de escrita, influências ao texto, e o produto final. Assim, de uma forma global, o trabalho de projeto corresponde ao intuito de prolongar, de um modo pragmático, a investigação realizada, ao longo do curso, sobre o cinema e o argumento cinematográfico.

“Adaptando Bradbury: um Cinema de Maravilha e Aviso” é uma análise do trabalho do autor norte americano Ray Bradbury em media de performance, com foco específico em três adaptações para cinema. Cada uma delas representa diferentes gêneros e graus variados de envolvimento do autor no processo adaptativo. Um grande número de contos e romances de Bradbury foi originalmente concebido para performance, e ele realmente referiu-se a si mesmo como um “escritor híbrido,” convidando-nos a pensar nos seus textos como já a caminho da sua adaptação para teatro/cinema, ou como contendo elementos de outros media. (Touponce, ed. Review 9). Ao longo da tese, procuro concluir que Bradbury era inerentemente um escritor cinematográfico e “performativo” que tendia a mover seu trabalho nessa direção por causa do entendimento intuitivo de que o seu trabalho alcançaria a sua expressão mais completa em performance. Além disso, que ele tinha um sentido único das potencialidades do cinema, o que fez dele um singularmente astuto, se não o melhor adaptador do seu próprio trabalho. Em preparação para a análise dos filmes, os três primeiros capítulos conterão informações básicas de experiências e influências que moldaram o estilo e o trabalho característicos do autor e uma revisão critica da literatura sobre o autor. O envolvimento geral de Bradbury com a indústria cinematográfica começou no início de sua carreira e foi extenso. Por isso, alguma atenção será dada á adaptação de trabalho anterior do autor para outras formas de expressão artística, como a banda desenhada, rádio e cinema de animação, para além dos filmes em análise. Como membro da associação de guionistas, fundador da Screenwriter's Film Society e professor frequentemente convidado da escola de cinema da UCLA, ele desenvolveu e adotou suas próprias ideias sobre o cinema em geral e a prática adaptativa, que serão resumidas. Além disso, os elementos característicos da escrita de Bradbury que auguram a sua adaptação para o cinema serão destacados. Serão analisadas as características únicas e compartilhadas do escrito e do filme e suas respetivas possibilidades de narração, seguido de um levantamento da teoria adaptativa, incluindo perspetivas de cineastas e outros escritores na ilustração das práticas adaptativas comuns. Finalmente, uma abordagem “pluralista,” tal como é delineada por Linda Hutcheon, adotando uma abordagem sociológica à medida que o contexto de criação e receção de um texto é levado em conta, vendo adaptações como obras autônomas que são suas “próprias coisas palimpsestes.” Isto é, textos que são apropriados por indivíduos particulares sujeitos a várias condições, artísticas, comerciais e culturais. Embora não divagando da teoria do cinema, descrevo o esquema de “aberto” e “fechado” de Leo Braudy para descrever uma “atitude” que um filme toma em relação aos objetos animados e inanimados que ele contém e ao seu “potencial invisível.” O tratamento visual do material apoia técnicas narrativas na criação de significado e a abordagem aberta / fechada destaca a dialética do confinamento em busca de liberdade ou liberdade submetendo-se a graus de confinamento que é particularmente apropriado para o trabalho de Bradbury. Seguindo essas diretrizes teóricas para uma análise mais completa do filme como um trabalho adaptado, a análise de cada capítulo começa com o exame do (s) texto (s) fonte do filme, antes de uma visão geral da história da produção, realizador, elenco e equipa técnico, e após a análise do filme. A análise de fundo para o Fahrenheit 451 é extensa, pois havia textos “precursores” que contribuíram para o romance. Informações consideráveis sobre o diretor François Truffaut são incluídas para iluminar a sua motivação para o projeto, tão diferente de seus outros, e sua estética pessoal que marca o filme. O roteiro de Bradbury (1994) para um remake não produzido é visitado no final do capítulo. O capítulo sobre The Wonderful Ice Cream Suit contrasta e compara o teleponto anterior de Bradbury, peça teatral e musical, e analisa o trabalho teatral e a estética do autor antes de analisar o filme do roteiro de Bradbury. O capítulo sobre Something Wicked This Way Comes explora o tratamento de tela original do autor que antecede o romance publicado e temas espirituais comuns no trabalho de Bradbury. Um capítulo conclusivo consolida as afirmações da tese com a análise de suporte de várias outras adaptações do autor, a saber, Moby Dick, de John Huston, e episódios do Ray Bradbury Theatre, produzidos para a Televisão.

Bibi e os Crustáceos é um argumento original para longa-metragem de animação cujo personagem principal é uma baleia que engravida e se vê numa jornada em busca das águas quentes e seguras do litoral, vindo a receber o auxílio de aliados e a sofrer diversos desafios. Chegando ao litoral, depois de quase sucumbir muitas vezes, tem seu filhote junto ao costão da praia, iniciando, com seu filhote, a jornada de volta para o oceano profundo. O guião é seguido por um relatório que aborda questões artísticas e filosóficas para a criação de enredo e personagens, bem como fundamentos técnicos de construção do guião cinematográfico, utilizando-se, para isso, de obras de autores com Joseph Campbell e Syd Field.O guião nascera de um argumento literário, que foi sendo adaptado para o formato tradicional de guião cinematográfico, ao longo que o estudo das técnicas de desenvolvimento de guião foram se intensificando. No relatório, reflete-se sobre a conceção do plot em relação à conceção dos personagens, principalmente da personagem principal. Há uma abordagem expondo a escolha dos personagens, de seus potenciais simbólicos e de suas funções no enredo. Reflete-se também sobre a originalidade da obra, e sobre sua relação com outras obras e com a própria da realidade. Faz-se uma abordagem comparativa entre a estrutura de escrita do guião, com a estrutura do paradigma das criações de histórias segundo a Jornada do Herói. Finalmente, cita-se a importância da teoria para que o autor tenha criatividade, inspiração, e desenvolva uma história com um enredo cativante.

E=mzz2 Mon Amour -Do argumento à Montagem - A curta-metragem ficcional “E= mzz2 Mon Amour”, produzida e realizada em Coimbra, narra a estória de Luzia que conhece Márcia que também conhece Leonardo. Estes encontros fortuitos vão fazer a sua vida quotidiana descambar numa transgressão, ácido-picante, do que se pensa que se é ao que se pode ser, na sua sinopse. Sob a aparência de um drama erótico-romântico, uma metavoz questiona as relações de poder nos campos: privado e público, a representação social fílmica como agente de mudança e a doença psiquiátrica. A escrita do argumento partiu do poema “Silêncio”. Revestiu-se de Eidos, essência, de outra linguagem: a de narrar uma estória mediante imagens fílmicas O argumento foi estucturado de acordo com uma prosa dramática, onde uma personagem moderna, determinante da intriga, revelar-se-ia um anti-herói em três partes: Evento externo ou interno, Superação, Resolução. A caracterização das personagens fundamentou-se na contra-estratégia do preconceito dominante através de um olhar dentro do olhar da representação, proposta por Stuart Hall. A construção da montagem seguiu uma abordagem fenomenológica mediante a observação e metaanálise do material fílmico e dos resultados da montagem, fundamentada nos trabalhos teóricopráticos de Artavazd Pelechian e Walter Murch. A análise comparada do argumento com a montagem mostrou homologias e heterologias narrativas, indicativas, de acordo com Carlos Reis, de uma adaptação intermediática psíquica, genética e recompositiva.

Argumento cinematográfico original escrito a partir de uma metodologia assente nas propostas teóricas de Robert McKee e Syd Field, as quais se baseiam num padrão resultante da análise ao nível da estrutura narrativa de um vasto corpus fílmico. O formato apresentado segue os requisitos técnicos considerados standard na indústria cinematográfica, na medida em que se trata de um projeto que tem em vista a sua concretização em filme. O género cinematográfico escolhido foi o drama e o tema incide sobre o comportamento sexual dos membros de uma família de classe média alta. Tratando-se de uma ficção, isto é, de uma escolha seletiva de ações e eventos dispostos numa dimensão espaciotemporal imaginada, especulativa e intencionalmente estruturada como narrativa, parte da observação e análise de comportamentos individuais no atual contexto social. O decalque de aspetos da vivência quotidiana daquilo que tem sido designado por "estilo de vida ocidental", contribui para uma abordagem (hiper)realista dos eventos representados. Desta maneira, e tendo em conta a incidência temática, o argumento inclui cenas que têm uma descrição explícita de atos de cariz sexual. Esta opção é motivada pelo facto de, por um lado, a sexualidade ser timidamente representada na cinematografia portuguesa; por outro, ser um aspeto determinante e caracterizador das relações sociais e do espaço público. Neste projeto, há também um renovado interesse em encontrar elementos narrativos que enfrentem os lugares comuns criados pela indústria cinematográfica, em particular, a objetificação da mulher, os limites da transgressão e o círculo íntimo familiar como tabu.

Com os avanços na educação inclusiva e da modalidade de educação bilíngue para Surdos, junto da crescente demanda por materiais pedagógicos adequados às necessidades específicas desses estudantes, esta pesquisa investiga o desenvolvimento de roteiros cinematográficos com ênfase na acessibilidade e no reconhecimento linguístico e cultural Surdos. Através de um grupo focal, discutiu-se os desafios enfrentados na compreensão dos formatos tradicionais de roteiros cinematográficos, evidenciando a necessidade de formatos integrando elementos visuais e linguísticos adequados à cultura Surda. Como resultado do diálogo foi proposto um modelo de roteiro que combina elementos imagéticos, textos em português e vídeos em língua de sinais numa proposta de textualidade diferida, proporcionando uma ferramenta que visa facilitar a criação, revisão e apropriação de roteiros cinematográficos por pessoas Surdas. Essa abordagem visa não apenas promover a inclusão, mas também respeitar e valorizar a identidade cultural Surda no processo de criação de filmes.