Com a evolução do espirito do tempo, pode ser observado que a estética do movimento Punk não se encontra tão vincada no século XXI. O movimento Punk foi uma manifestação sociocultural de insatisfação com a sociedade da época, que teve várias expressões nomeadamente na Música, Estética, Design e no Comportamento. Através das áreas Tendências, Moda e Branding pretende-se compreender este movimento e como foi impulsionado na sociedade num ponto de vista aplicado, procuramos entender a sua vertente estética na ótica da designer Vivienne Westwood – que teve um grande impacto na sua difusão e comercialização de vestuário com a estética do punk. Neste sentido é pertinente realizar uma análise à marca Vivienne Westwood com base nesse conceito. A análise foi efetuada a partir de uma triangulação de métodos (Análise de Tendências, Análise Visual e Análise de ADN) e deu origem a um projeto de produção de moda onde foi feita uma proposta de comunicação visual para amarca. Os dois objetivos que pautam esta investigação e cujos resultados estão expostos neste trabalho são: clarificar que tendências socioculturais se relacionam com a marca Vivienne Westwood e qual o contributo destas para a comunicação visual deste movimento; reafirmar o Punk na marca, através das tendências identificadas no movimento Punk e na marca Vivienne Westwood.

Neste trabalho serão investigados os seguintes temas: a cor rosa, o punk e a reutilização/sustentabilidade. Pretende-se enaltecer a importância da reutilização de materiais, no mundo da moda, de forma a tentar combater o desperdício e massificação de produtos. Esta ideia surge a partir da inspiração punk, como forma de reutilização e alteração de peças de roupa pelos seus próprios meios. Assim, surge a vontade de construir uma nova coleção, tendo como inspiração todos os temas acima descritos. Para isto acontecer, é necessário haver um paralelo entre a vertente sustentável e uma das novas tendências atuais: a cor rosa. É importante compreender, também, qual a contextualização da cor rosa, nos nossos dias; assim como qual a importância que tem vindo a adquirir ao longo dos anos, e o quanto a sua conotação se tem alterado. Neste projeto perceberemos como o rosa se liga diretamente ao movimento punk, e que esta subcultura se apropria de várias matérias e materiais já existentes, enquanto a inspiração da coleção partirá destes três princípios de estudo. O punk surge neste projeto como mote de pesquisa, de modo a ser compreendida a cultura da reutilização e sustentabilidade, a partir do movimento Do It Yourself (DIY). Para tentar explicar a ligação entre as três vertentes propõe-se uma revisão bibliográfica que ultrapassa a natureza comum da pesquisa científica, e que junta livros, artigos e outros documentos científicos com informação obtida através de filmes, séries, documentários, obras de arte, etc. Esta necessidade de ir para além de uma revisão literária comum, prende-se com o facto de serem precisos estudos e dados que corroborem a realidade do desperdício e da reutilização de vestuário. Além disso, um novo olhar em relação ao rosa e ao punk também se verifica, pois é importante dar a entender a ligação entre estes temas, de uma forma mais profunda e diferente das ideias pré-concebidas. Em suma, os temas de pesquisa e inspiração serão desenvolvidos de modo a criar bases sólidas que serão materializadas numa coleção final, que inclui todos os parâmetros acima referidos.

Este projeto tem como principal objetivo perceber como será que podemos implementar uma marca com características muito específicas (ver nota2) no mercado atual e no ambiente socio-económico-político que nos rodeia. Para melhor perceber o assunto, é relevante abordar temas que falem do estado das coisas3, refletir sobre as influências da política, questões ambientais, tendências e do estado do mundo em que vivemos e como essas condições vão, consequentemente, influenciar o comportamento de consumo. “O processo de pesquisa e desenvolvimento pode gerar inúmeras patentes, marcas, processos inovadores, know-how.” (TEH, C.; KAYO, E.; KIMURA, Kimura,2008). Assim, este projeto deve basear-se na compreensão teórica acerca do que faz uma marca ter uma identidade forte, do que faz uma marca de nicho cativar a atenção do consumidor para ter sucesso competitivo e, é então necessário, começar por fazer uma contextualização sobre como a situação socioeconómica, política, ambiental, influencia o comportamento de consumo e influência a própria marca. A marca em questão tem em si mesma uma forte influência dos elementos das macrotendências contemporâneas refletida na sua identidade e imagética, então será que é o consumidor que se adapta à marca ou a marca que se adapta ao consumidor? “O caráter mágico das imagens é essencial para a compreensão das suas mensagens. As imagens são códigos que traduzem eventos, situações, processos em cenas.” (FLUSSER, 1998, P.28) Outros assuntos que fazem parte do contexto atual são o ativismo, o feminismo e a sustentabilidade; esses temas serão abordados de modo a compreender a sua implicação na hora de serem implementados, pois estes temas não podem deixar de ser uma questão a ter em conta aquando do desenvolvimento de uma marca posto que o consumidor é cada vez mais consciente e sente-se melhor ao saber que está a contribuir para algo “maior que si mesmo” como afirma Philip Kotler (2010). Após a exploração teórica da temática que ajudará certamente a reunir as melhores ferramentas para a compreensão da criação de uma marca de moda nova sob estas circunstâncias, segue-se o desenvolvimento da proposta de marca com estas características abordadas anteriormente (consultar nota 2).

Based on the theories of Habermas, Fraser, Taylor, Arendt, Brighenti, and Honneth, this study examines the dynamics of plurality, communication, and resistance in the context of alternative public spaces. The analysis traces the evolution of the public space concept, from the Habermasian model to the pluralization of alternative public spheres, to explore how this concept manifests in punk as a form of cultural and political contestation. The punk movement is analyzed as an alternative public space that challenges hegemonic norms and provides a platform for the visibility and recognition of marginalized identities. By highlighting its discursive and aesthetic practices, the study reflects on the role of punk as a space where resistances to power structures are articulated and new forms of social participation are promoted.

This thesis aims to discuss the Hardcore, here understood as an offshoot of the punk movement in the early 1980. The punk movement has its origins recognized in the United States and England, headed by small portions of youth in these countries and, in a sense, represents an important manifestation of counter-cultural nature. Not limited to their places of origin, we intend to trace how this movement arrives in Brazil, and especially as it is constituted in the city of Goiânia, which was chosen as the main cutting of this work. In this city, the first manifestations linked to Hardcore and Punk only happened in the late 1980s, when a number of situations that had great importance for this ideological and musical movement serve as expression of the revolt of certain local youth installment. In the subsequent decade, we will see a significant expansion of the movement in the city, as we have a great number of individuals participating in cultural activities and artistic productions linked to it. Seeking recognize the consolidation of this scene in Goiânia, this text will examine the materials produced during the 2000s, understood here as registering a memory of events that occurred in the previous two decades.

This article launches a reflection on the genesis of the punk movement in order to observe the failure of the established political meaning to the detriment of the cultural aestheticization imposed by the capitalist system. The punk movement emerged in the mid70s, in different parts of the world, as a political manifesto, counterculture, in response to the homogenization of the capitalist system in society. Therefore, we reflect in this study how the media industries appropriate aesthetics from the punk scene to re-update our imaginaries and our collective memories. To weave these reflections, authors from the most diverse fields of knowledge are mobilizers in order to understand the goals that culminated in the movement, in addition to a critical discussion around the relationship between the cultural industry and nostalgia. It is believed that dissatisfaction with the future, as it emerged in modernity, materializes in postmodernity in the search for a nostalgic sense of the aesthetic narratives adopted by the punk movement.

This project studies the relationship between music and graphic design, particularly album covers and their importance for popular culture. It focuses on album covers from the rock and punk movements since those particular movements have originated some of the most famous and influential album covers of all time, like The Beatles’ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Pink Floyd’s The Dark Side of the Moon or The Clash’s London Calling. This research aims to document the impact of the invention of the “artistic” album cover, by Columbia Records employee Alex Steinweiss in the 1930s, on graphic design and the music industry. It is divided in two main parts: one that studies in depth a list of album covers of those two movements, from 1967 until 1999 and another that addresses the changes that occured in the music industry and graphic design after the introduction of the digital formats like the CD, the MP3 and streaming services. This last part mentions album covers from 2000 onwards that managed to be relevant despite the change in the role of the album cover in the 21st century. It also studies the role of the vinyl record in album cover design both in its golden period (mid-20th century to the late 1980s) and in its revival from the mid-2000s. This research accompanies a website that documents the covers studied, their graphic design, their importante for the music industry and for the respective movements to which they belong. The website functions as an ever-changing open platform, to which new data that reflects and documents the emerging trends in music-related graphic design may be added at any time. This project, in both its theoretical and practical components, contributes to new knowledge by analysing and reflecting on the role and the profession of the graphic designer in the music industry. Simultaneously, it ponders on the importance of music-related graphic design in popular culture and in the history of graphic design

This article will present a characterisation of the Portuguese punk scene between 1977 and 2014, while considering the social profiles of its protagonists. It is based on the sociological principle that the social positioning of social actors influences what they do, say, and feel. Their social profiling will help clarify their role in the musical scene. This approach has been deemed fundamental in interpreting post-war youth cultures and the way in which they re-equated pop culture. In this article, we have two particular aims: first, establishing a portrait of the leading characters in the Portuguese punk scene through the social profiling of 214 individuals interviewed between May 2012 and October 2014; second, allowing for comparisons with other musical scenes in Portugal and/or with punk scenes in other countries. Here, we must obviously consider the social condition of these protagonists, including not only their class origin and present affiliation but also other relevant characteristics, such as gender and age. Thus, this article will explore the following topics: roles and functions within the punk scene, gender relations, age groups and the process of ageing, territorial placement—both in terms of origin and of residence, educational capital, and socio-occupational group.

This investigation looks at the evolution of the graphic language of the 1960s Counterculture to assess its impact and influence on the design practice of subsequente moments. To this end, we carried out a comparative analysis of the countercultural design of the 1960s with the graphic languages of Punk (1970-80s) and Rave (1980-90s). We collected and examined about two thousand graphic materials of North American and British origin, covering the three countercultural phenomena. As a main result, it appears that the countercultural graphic language of the 1960s left us something more than a simple 'nostalgic legacy', not being confined to its original period of manifestation. The research contradicts the somewhat stereotyped and even reductive view of the 1960s Counterculture as fashion, allowing us to see the tangible effect of its graphic materials on Punk and Rave design. The intersection of the three countercultural waves reveals, in addition to contesting the respective regimes, a challenge to the practice of mainstream design. All graphic languages revealed a DIY system, based on similar work processes and methodologies and the sharing of visual features such as the appropriation of references, the openness to strident colors, or the use of transcultural symbols. The unprecedented extent of the collection and analysis of graphic materials, the gathering of original testimonies by experts in Counterculture, and the set of results obtained are unique contributions of this study to the research in countercultural graphic design.

Este artigo propõe lançar um olhar sobre o bairro lisboeta de Alvalade como um dos pontos mais emblemáticos do despoletar do punk rock português por volta do fim dos anos 1970. Procuramos identificar de que modo um novo conceito urbano aplicado e o cotidiano do local ajudaram a fomentar e a disseminar o estilo musical que tomou de assalto o imaginário juvenil português vindo diretamente do Reino Unido. Pretendemos visualizar também as condições urbanas e as contradições de Alvalade, bairro idealizado pelo Estado Novo, ou seja, criado pelo regime ditatorial de Salazar, que tornar-se-á ao longo dos anos e, contrariamente ao desejo do sistema, um centro de ideias e de contestação. Inicialmente propagado em Portugal pelo radialista António Sérgio, o punk rock se espalhou rapidamente pelas ruas de Alvalade através das mãos de jovens oriundos de famílias de bons rendimentos que lá se instalaram a partir dos anos 1960. Destacam-se as histórias de João Ribas, mítico vocalista de três das bandas mais importantes do estilo no país (Kú de Judas, Censurados e Tara Perdida, todas nascidas em Alvalade), do Jardim de Alvalade e do Café Vá-Vá, ponto de encontro da nova intelectualidade lusa na década de 1960, que se torna anos mais tarde o epicentro e ponto de referência para jovens sedentos por cultura, de informação e de rebeldia.