Conversas com a Natureza através dos pigmentos das plantas: o processo criativo com anthotype opera uma síntese da pesquisa teórico-prática, realizada no âmbito do Doutoramento em Media Artes da Faculdade de Artes e Letras da Universidade da Beira Interior, na Covilhã, Portugal, entre 2019 e 2023. Com o propósito de investigar o fazer fotográfico através do processo histórico de fotografia do século XIX, conhecido por anthotype, o qual se relaciona diretamente com os pigmentos das plantas, explorou-se o entrecruzamento deste com a fotografia digital, o vídeo, o livro digital e outras práticas artísticas instalativas. Esta pesquisa teve como prioridade o processo de criação e a experiência vivida ao acompanhar alguns agricultores agroecológicos, com os quais desenvolvi um processo colaborativo de criação através de seus alimentos sem agrotóxicos. Além disso, houve relação com certos povos originários da terra, os indígenas, que se revelaram inspiradores para os trabalhos artísticos desenvolvidos neste âmbito e aqui apresentados: Conversa com a Natureza I (2020), o documentário Saberes da Terra (2020), Nhak-krarati (2022), o livro, Conversas com a Natureza II: pós-fotografia com o anthotype (2023), a instalação A terra é o que nos une (2023 – work in process). Acrescendo também a experiência realizada com alunos do ensino médio do Instituto Federal de Brasília, na disciplina de fotografia, que lecionei no primeiro semestre de 2022. Para tal, a pesquisa dividiu-se em três eixos investigativos, interrelacionados entre si: (1) O processo criativo com o anthotype e a conexão com os pigmentos das plantas e com a agricultura agroecológica, (2) Hibridismos entre linguagens imagéticas e (3) Relação entre obra e processo de criação, participador e espaço. Devido à pandemia da covid-19, esta investigação de doutoramento foi tomando múltiplas direções e agenciamentos, lidando com constantes imponderáveis. Considerou-se, assim, a pesquisa como um processo de aprendizagem que prioriza o percurso e a experiência, aberta aos limites técnicos, naturais e temporais. Assumiu-se o caráter processual, em que o objeto de estudo é o próprio processo criativo das práticas artísticas realizadas com o anthotype, seus desdobramentos, inquietações e relações. Desse modo, à mercê das inúmeras ramificações rizomáticas (Deleuze & Guatarri 2011) deste caminhar, o foco da investigação não se restringiu apenas a um trabalho criativo. Antes, abarcou uma multiplicidade de outras conexões, tanto práticas como teóricas. Também, o conceito de criação como rede em processo, proposto por Cecília Salles (2016), traduz as conexões de nossa pesquisa a toda uma pluralidade de aspectos que a obra sintetiza. Dessa forma, a investigação do doutoramento em Media Artes combina teoria, prática e (auto) crítica para articular seu processo de pesquisa, dando importância ao papel do artista-pesquisador que documenta a sua experiência e seu conhecimento através de seu trabalho prático e de escrita, considerando a própria prática artística como fonte de conhecimento.

O trabalho realizado ao longo desta dissertação teve como inspiração e suporte o Projecto Educativo “Vamos (re)criar a escola - o ato criativo como evidência de competências”, em vigor no Agrupamento de Escolas onde a autora exerce docência. Reconhecida, neste contexto, a importância da criatividade e a necessidade de um maior investimento na sua promoção, este estudo exploratório teve dois objetivos principais: i) conhecer as percepções e práticas educativas dos professores do Agrupamento no que se reporta à criatividade e à sua promoção; e ii) construir e implementar um programa de treino do pensamento divergente em contexto escolar. Foram realizados dois estudos tendo em conta os objetivos desta investigação. No primeiro estudo, foi construído um questionário composto por perguntas abertas, incidindo sobre quatro dimensões gerais - características dos alunos criativos, práticas utilizadas para a promoção da criatividade, avaliação de habilidades criativas e barreiras ao estímulo da criatividade. Numa amostra constituída por 21 professores do Agrupamento, desde o pré-escolar ao 3º Ciclo do Ensino Básico, consideraram alunos criativos os sujeitos que dão respostas inovadoras e originais, revelam espírito crítico, têm capacidade de argumentação, são participativos e motivados. Deste estudo ressaltam ainda dificuldades na promoção da criatividade e sua avaliação por parte destes professores. Apenas fatores extrínsecos são considerados como obstáculos à promoção da criatividade. Para o segundo estudo foi criado um programa de intervenção, designado por “Vamos (re)criar a escola”. Foi aplicado junto de uma turma heterogénea, constituída por 13 alunos do 1º ao 4º ano de escolaridade (6 raparigas e 7 rapazes), com uma média de idade de 7.5 anos, tendo-se utilizado o Teste de Pensamento Criativo de Torrance numa avaliação de pré e pós teste, assim como uma avaliação qualitativa no decorrer da implementação do programa. Os resultados aludem para a adopção de práticas que promovem a criatividade, tendo os resultados apontado para uma melhoria significativa em duas das dimensões treinadas ao longo do programa: Fluência (p<.05) e Elaboração (p<.01).

Pretendemos discutir se o filme é uma teoria e que essa “teoria” possa contribuir para a discussão de temáticas da teoria do cinema, de ca‑ riz científico. Inserido no âmbito da abordagem “Teoria dos Cineastas” pela qual não apenas os filmes mas, também, o discurso verbal e escrito dos cineastas se apresenta como um modo viável e legítimo para compreender o cinema, este artigo pretende abordar a possibilidade da teoria ser elabo‑ rada apenas a partir dos filmes, ou seja, uma teoria que advém do processo criativo.

A pesquisa vem contribuir com propostas metodológicas para o ensino de Arte (em espaços formais e não formais) na Educação Básica. O objetivo principal é pesquisar atividades de criação artística para estudantes do Ensino Fundamental de modo que a Arte na escola contribua para a dinamização dos programas curriculares. Com o estudo acerca da recorrência das atividades artístico-pedagógicas nos livros didáticos, propomos ampliar estratégias metodológicas a partir da obra do artista visual brasileiro Athos Bulcão (Rio de Janeiro, 1918 - Brasília, 2008). Vimos que no ensino escolar de Artes há pouca recorrência de projetos autorais discentes, o que nos leva a questionar como é possível estimular a criatividade estética nas aulas de Artes da Educação Básica com a pesquisa das obras artísticas e do processo criativo de Athos Bulcão? No decorrer dos últimos anos letivos, numa escola pública do Município do Rio de Janeiro, o processo criativo vem sendo recorrente nas aulas de Artes através das expressões artísticas e materialidades também utilizadas por Bulcão. Os acervos bibliográfico e iconográfico disponíveis (on line) na Fundação Athos Bulcão somaram à pesquisa para o conhecimento tanto de suas obras como do vasto processo criativo do artista nas diferentes expressões artísticas de sua produção. Como aportes bibliográficos, recorremos a autores como Antunes (2010) e Ostrower (2009) que ampliam o conceito de criatividade e apontam-nos o quanto o processo criativo deve ser estimulado nas crianças em idade escolar; além de Piaget (2012) e Vigotsky (2007) que discorrem sobre as características infantis; Salles (2011), Barbosa (2005), Ferraz e Fusari (1993), dentre outros, que abordam questões acerca das habilidades e competências metodológicas usuais na sala de aula. Os documentos oficiais que tangenciam o ensino de arte no Ensino Fundamental no Município do Rio de Janeiro (RIO DE JANEIRO, 2020) em paralelo à Base Nacional Comum Curricular/BNCC (BRASIL, 2018) foram somados à elaboração do Produto Educacional Caderno de Atividades “A Criatividade é o Limite” que elenca (onze) Proposições Artísticas e (dois) Jogos artístico-pedagógicos como material inter, trans e multidisciplinar de apoio pedagógico na área de Arte (e demais áreas afins) da Educação Básica, cursos de formação continuada e formação de professores ao nível médio e em licenciaturas.

Board games are cultural reflexes, born as religious and mythological rites, took up the entertainment object condition, and finally, were subverted and transformed into an art form. This theoretical and practical character dissertation investigates this last stage, and research artists and works of analog gamearte aiming to understand the creative process behind the art of board games, still little explored field. This research presents a pioneer, because there are no studies on the game boards through art in Brazil. The first categorization of Brazilian board games that belong to the gamearte settings. It is also proposed to present the relevance and persistence of analog game in a digital contemporaneity. These investigations serve as a reflective theoretical framework for the simultaneous development of poetic practice this research, an authorial artistic board game.

This work is the result of a research project that was conducted by the Graduate Program in Art and Visual Culture, master´s level, in FAV-UFG, and aimed to immerse in the dance theater practice, through paths traced by the German choreographer Pina Bausch, who was a guide in the development os this research and helped me to answer personal questions, which the principal aim was to discover how our histories, memories and feelings are represented in body. This research started with a watchful eye in the dance history, as well as in the creative process of Pina Bausch to be able to understand the method of creating images by the body and her representations through cinema. Her unique movie “The Lament of the Empress” had an important function in structuring the Project, since questions that were shared with two other dancers in an immersive practive came from it, and led to the creation of a documentary that dialogues with the videodance and brings through interviews, essays and movements research a sample of a body-affective experience also shared with students from the Federal Institute of Goiás. In a play between theories and reports I sought the different perceptions of the body and dance, crisscrossing authors of visual culture, movement researchers, theories of representation, documentary, which merged with the reports of the meetings with dancers, ballet lessons, contemporary dance and some workshops. The aim was to achieve tangible answers that unravel the pathways of the body and image to find my dance through my body.

The research presented here seeks, through the investigation of the characteristics and ways of the electronic games, analyze their possibilities as an art object – the form of artistic expression called gameart. Through exploratory research that permeates the origins of video games, their relationships, motivations and evolution, its intended to develop a deeper understanding of the structure and definition of the electronic game in order to develop an gameart object that can reflect, deconstruct and /or criticize characteristics from the universe of eletronic games . After presenting the definition, genres and formats of games, the research turns to the definition and analysis of the concept of gameart, revisiting the origins of this new creative possibility and reflecting on the possibilities to treat a video game as an art object. The theoretical analysis developed here became the basis for experimentation and construction of aesthetic and conceptual scheme, aiming at the creative process of two gameart objects , the first more generalist and created as an exercise of introduction to the universe of gameart and the second, deeper, seeking a detailing of the elements that define it. Both gameart objects served as basis for the construction of a third – and last – gameart object, presenting concepts acquired by experience with previous works : Labyrinth of the Mind.

Esta tesis tiene como objetivo comprender los fenómenos como procesos psicológicos que se basan en la relación arte-vida. La obra de Lygia Clark (1920-1988), artista brasileña, y las obras de Nise da Silveira (1905-1999), psiquiatra brasileña, se remontan al proceso creativo como un acto terapéutico, porque son propuestas que trabajan la conexión del ser humano con naturaleza a través de la estructuración de la psique. En este sentido, el Movimiento Neoconcreto (1959) entra en escena como promotor del arte brasileño contemporáneo, un movimiento a partir del cual se origina una nueva concepción del espectador que conducirá a la experiencia del cuerpo y el símbolo en la obra de Lygia Clark. En este sesgo, discutimos el trabajo de Nise da Silveira, quien, a su vez, originalmente enumera el símbolo en el proceso creativo / terapéutico en el tratamiento de los esquizofrénicos para reformular la visión del inconsciente a través del arte. A la luz de la Psicología Analítica de Carl Gustav Jung, psiquiatra suizo, postulamos formas de entender el proceso psicológico como un acto de restablecimiento de la conexión primordial hombre-símbolo, típico de la condición humana. Para esto, recurrimos a varias discusiones y referencias teóricas para establecer posibilidades de pensar sobre el campo terapéutico, el cuerpo y el símbolo. Finalmente, esta tesis pretende crear un nuevo campo para ser explorado dentro del alcance de las representaciones culturales, para pensar en el proceso creativo como un acto terapéutico y cultural.