This paper discusses the use of bowing technique in improvisation with the bass in the Brazilian Instrumental Popular Music (MPBI). The main objective is to develop study strategies through a brief literature review on the bowing technique, its application in North American jazz and the characteristics of improvisation in MPBI. Thus, the paper discusses the results and presents them in the form of suggestion implementation. The paper is organized into three parts: 1) Review of literature on the use of the bow on strings instruments, 2) MPBI improvisation and 3) strategies for improvisation study on double bass with the use of bowing technique in MPBI. It can be concluded that the processes involved in improvisation on the double bass with bowing technique in MPBI have some particularities that should be objects of attention and study. Moreover, there are similarities in the use of the bowing technique in Classical Music, particularly the technique preparation. It also follows that the greater the knowledge of the peculiarities of bowing technique in improvisation, preparing technical and stylistic knowledge of the bassist, the performance will be better.

This work is related to improvisation in the brazilian ten strings guitar with open tuning (Cebolão), using as a case study and application the rhythm (cateretê) in music Vide Vida Marvada, by Rolando Boldrin. Because I have not yet found specific material for improvisation in this instrument, I have raised questions about the existence and form of this practice. My hypothesis is that, with a method suitable to the instrument and its particularities, which includes the study of scales and arpeggios, the student shortens the way in the realization of different pieces, facilitates the immediate transposition of songs to other tones and fosters basic knowledge to improvise . The objective of this work is to investigate the processes of improvisation for viola, starting from scales, arpeggios and rhythmic / melodic models. The methodology used was to listen and to transcribe elements of the common practice of diverse violeiros and to extract the basic technique for its construction. I started with authors who deal with improvisation in a general way (BENSON, 2003), idiomatics (ALVIN and ASSIS, 2000), and authors dealing specifically with the instrument and the like (VILELA, 2013) . The results were the confirmation of the hypothesis raised and the construction of didactic material for brazilian ten strings guitar with cebolão tuning, besides the evidence that improvisation in the traditional context not only exists, but also in a particular way, more associated with prosody Rhythm, and that the choice of tonality, within the described tuning influences directly in its practice.

In this research we deal with the aspects of the language of jazz improvisation, presented on the construction of Stan Getz's (1927-1991) solos in Bossa Nova. Our main purpose was to investigate and discuss some of the characteristics of his language inside the bossa nova movement, we realized that although it has a growing number of materials regarding to improvisation and the bossa nova movement separately, in the current scene on music research, we have identified a gap referring to the relationship between the two. At first we proceed on a bibliography study involving the history of bossa nova, Getz's biography and some books which deals with essential concepts of jazz and improvisation. Subsequently, based on the study of the first phase, we started a analysis of some of the aspects presented on the Getz's solos in Desafinado, we tried to address those aspects mentioned before. In order to demonstrate, by analyzing the solos, aspects commonly used in the jazz improvisation which when incorporated with of the bossa nova elements could be converted into a improvisation language which someone could call “inside the bossa nova style”, we compared aspects such as arpeggios, patterns, scales, sequences, finalizations and chromaticism, all of them presented on the both versions of Desafinado we compared, the  Jazz Samba version and the Getz/Gilberto version. We conclude then that those aspects in the way that they were used by Getz in his solos, of the two explored versions, were accepted by bossa nova as well as for the improvisation in its style, however they had to join with some of other elements like rhythm, harmonic and melody from the bossa nova, and also the fact that the musicians in one of the two versions were musicians with great experience with jazz and a few experience with Brazilian music instead of the other version which had musicians with great experience with Brazilian music and a few experience with jazz, so this turned into considerable differences between the two versions.

Quietude, Repetição e Inconsistência são os três vocábulos essenciais para a definição da linguagem da arte performática. Frequência, Amplitude, Timbre, Tempo e Espaço são os principais cinco domínios psicoacústicos de um objeto sonoro. Este trabalho é o fruto da investigação que visa criar um mapeamento entre os conceitos-chave da arte performática e os domínios sonoros, sugerindo uma nova sintaxe musical, que culmina na criação de uma obra que integra improvisação, preparações digitais e participação ativa por parte do público.

O presente trabalho integra duas componentes: a primeira parte descreve a implementação do projeto educativo que incide sobre o recurso a estratégias pluridisciplinares na formação de estudantes de flauta transversal como forma de promover o desenvolvimento da expressão musical e criatividade. A utilização das estratégias pluridisciplinares como abordagem metodológica vem reagir a um sistema em que os alunos do ensino artístico especializado desenvolvem a sua formação musical com base na aprendizagem por imitação. Nesse sentido foram realizadas algumas entrevistas a docentes de flauta transversal de forma a perceber as abordagens utilizadas atualmente em Portugal para desenvolver a expressão musical e a criatividade nos alunos do ensino básico e secundário. Nesta investigação-ação foi também desenvolvido um leque de atividades pluridisciplinares que foram testadas numa amostra de 6 estudantes de flauta transversal no sentido de aferir o seu impacto na exploração da expressão musical e da criatividade dos alunos. A segunda parte corresponde ao Relatório Final da Prática de Ensino Supervisionada, realizada no ano letivo 2023/2024 na Escola Artística do Conservatório Calouste Gulbenkian de Aveiro.

Este documento dimana da investigação realizada no âmbito do Mestrado em Ensino da Música, na Universidade de Aveiro. Investigou-se sobre os “Jogos Didáticos como meio de aquisição de competências musicais na percussão” e sua influência na evolução dos alunos orientados no contexto do estágio profissional realizado na Escola Artística do Conservatório de Música Calouste Gulbenkian de Braga. O objetivo deste projeto educativo centrou-se na criação de momentos de aprendizagem interativos, tendo em vista a realização de um ensino musical lúdico, estimulante, e passível de fornecer matéria de formação a nível musical, social e pessoal, em conformidade com os objetivos curriculares. Para tal, e com suporte numa metodologia de investigação-ação, a observação e prática no contexto do estágio profissional em conjugação com uma pesquisa bibliográfica pertinente permitiu proceder à elaboração de um leque de jogos dinâmicos, que se adequaram às necessidades dos estudantes em questão. Obteve-se desta experiência uma intervenção prática frutífera e pertinente, com resultados positivos em todos os parâmetros inicialmente considerados. Os jogos revelaram-se muito úteis a nível musical, produzindo saberes significativos e tendo contribuído, paralelamente, para a melhoria das relações interpessoais e crescimento da identidade pessoal e artística dos alunos. Não obstante, estudos posteriores e mais profundos, com uma implementação prática de longo prazo, poderão trazer à luz do dia uma maior e mais completa informação sobre o tema.

O presente trabalho incide sobre o recurso à improvisação na formação de estudantes de flauta transversal. A improvisação é muito pouco explorada nas aulas de flauta no contexto das escolas de música em Portugal e foi a partir desta constatação que foi realizado este projeto de investigação que teve como objetivo desde logo suscitar uma reflexão sobre esta temática e aferir o impacto de uma intervenção que proporcione aos estudantes de flauta transversal a oportunidade de experimentarem a improvisação. Assim, a metodologia de investigação usada foi investigação-ação e o trabalho foi dividido em duas etapas. A primeira recai sobre a criação de uma peça para flauta solo que inclui improvisação em parceria com um compositor intitulada EncontrArte, que foi apresentada em recital conferência na Universidade de Aveiro. A segunda etapa focou-se na realização de um inquérito por questionário dividido em três secções: a temática da improvisação, a peça EncontrArte e a improvisação no contexto da formação. Este projeto de investigação tem como amostra 4 participantes, estudantes de flauta transversal do ensino superior.

Este projeto pretende dar um contributo prático para o fomento da criatividade em contexto de aulas de música de câmara com guitarras. Neste projeto estiveram envolvidos 12 alunos do 3º ao 6º grau da Escola de Artes da Bairrada. Como objetivo, pretendemos desenvolver uma “fórmula” simples de promover a criação musical em contexto de aula de música de câmara. Neste sentido, e tendo em conta, que por várias razões só foi possível realizar 3 aulas, a flexibilidade e o “improviso” pautaram todo o processo. De forma a simplificar o processo criativo, depois de dividir o ensemble de acordo com os presentes e tendo como ponto de partida os 5 primeiros modos gregos, apenas o nº de compassos de duração da composição, a inclusão de 2 partes diferentes e o tempo para realizar a composição é imposto como limite à criatividade. De forma a ajudar a estruturar o processo é pedido aos alunos que escolham um modo, um compasso e um andamento. A partir deste momento o professor só poderá ajudar a escrever as ideias que os alunos tenham dificuldade em passar para o papel, nunca intervindo na ideia original do aluno. Quando as partes estão escritas, juntam-se e ouve-se o resultado. Por se considerar pertinente na realização deste projeto, são abordados aspetos teóricos de forma a relevar a importância da criatividade em contexto de aulas de música de câmara com guitarras. Como conclusão, é feita uma reflexão acerca do processo executado, sobre os aspetos positivos e negativos e os possíveis ajustes a fazer. Este trabalho está dividido em 2 partes, sendo a primeira dedicada ao projeto educativo e a segunda ao relatório de estágio.

Esta comunicação visa apresentar um projeto de investigação artística que fará convergir aumentação instrumental, criação musical a partir da improvisação e Concert Design. Esta investigação propõe a exploração de modelos ininterruptos de concerto numa prática artística que posiciona o intérprete enquanto cocriador, recorrendo a recursos eletrónicos para a expansão das possibilidades sonoras do vibrafone. Fazendo uso do processo cíclico da “Art-based Action Research” (Jokela & Huhmarniemi, 2018) o projeto engloba quatro fases. A primeira pressupõe a familiarização com o vibrafone elétrico e o aprofundamento da pesquisa bibliográfica e artística. As restantes três implicam a aplicação prática das valências desenvolvidas na criação de concertos em contextos sucessivamente mais complexos: solo; solo+software; música de câmara. Nestas etapas o intérprete assumirá a responsabilidade de criar, a partir da improvisação, pontes entre as várias obras a apresentar. Espera-se desenvolver uma prática artística aumentada, atual e espontânea, pertinente para o intérprete e para o público.

A improvisação musical demanda respostas em tempo “real” a inúmeros acontecimentos relacionados a processos generativos em jogo, sobretudo quando a escuta é técnica fulcral para a elaboração da reação do músico e se configura no próprio ato performativo. As habilidades de emitir e modelar-se por meio das respostas instantâneas são características identificadoras do performer e exigem ativação permanente de um modo de atenção sensível e da subjetivação. Para o filósofo francês Gilbert Simondon, no sistema indivíduomediação- mundo, os respectivos processos de individuação do todo-sistema e das partes ocorrem simultaneamente e reciprocamente. A proposta desta investigação é analisar a improvisação enquanto sistema de individuação musical e os modos de agenciamentos tecnoestéticos que constituem uma performance. Esta pesquisa está centrada na improvisação musical, constituída como prática artística e análise da viabilidade desse marco teórico para o estudo sobre o sistema músico-mediação-mundo e a realidade afetiva de uma performance.