O presente relatório enumera as fases criativas que culminaram na realização da curtametragem “A Invenção do Amor”. As decisões tomadas são acompanhadas, sempre que possível, de conteúdo teórico e referências fílmicas que foram exploradas aquando da elaboração deste projeto. Do ambiente recriado, do modo como o poema foi explorado, passando pelas decisões de realização e ao trabalho com os atores, este relatório faz ainda um pequeno balanço do período de rodagens do filme.

Todos os anos na altura da realização dos projectos finais de Mestrado é proposto aos alunos um tema específico, em anos anteriores foram propostos temas como o cinema de Manoel de Oliveira, o fora de campo, entre outros. Os alunos deverão investigar e reflectir sobre o tema e o mesmo deve estar trabalhado no projecto final . Este ano, entre várias propostas apresentadas, e contrariando os anos anterior em vez de um tema foi escolhida uma ferramenta formal, o overlap. Como ponto de partida para o desenvolvimento dos trabalhos foi-nos fornecida uma definição e delimitação do termo: Overlap: dispositivo de montagem em que um plano repete parte ou a totalidade da acção do plano que o precede. Através deste método a duração de uma acção expande-se. Overlap é a expansão temporal de uma acção através de 3 dispositivos: 1. Sobreposição parcial da parte final de um plano com o início do plano que imediatamente lhe sucede 2. Repetição sucessiva do mesmo plano 3. Sobreposição de diferentes perspectiva sobre a mesma acção No caso específico pretendia realizar uma curta-metragem de época chamada “Fronteira” a partir de uma adaptação do conto “Fronteira” de Miguel Torga. Após reflectir sobre a definição e delimitação do overlap que nos foi fornecida e ter visualizado alguns excertos de filmes, nomeadamente Uma Abelha na Chuva (Fernando Lopes, 1972), Couraçado Potemkin (Sergei M. Eisenstein, 1925) e Ballet mécanique (Fernand Léger, 1927), que serviriam como exemplo, verifiquei que para o incluir no meu projecto não seriam necessárias demasiadas alterações, já que vinha ao encontro daquilo que eu já tinha idealizado para a planificação da curta-metragem. Desde a primeira vez que li o conto “Fronteira” de Miguel Torga que me despertou o desejo de o adaptar a uma curta-metragem. Algumas das razões que me estimularam esse desejo foram: a temática do conto (e o facto de ter sempre vivido muito próximo a Espanha e à zona da Raia), o modo frio e austero com que as personagens eram obrigadas a viver/sobreviver, o facto de ser uma estória de época e o desafio de adaptar um conto ao formato cinematográfico de curta-metragem. Quando surgiu pela primeira vez a ideia de adaptar o conto, essa hipótese parecia-me estar um pouco fora do meu alcance, ainda não tinha terminado a Licenciatura em Cinema e não julgava possuir ainda nem os conhecimentos nem a experiencia necessária para o fazer e decidi deixar a ideia em suspenso. Este ano e com a possibilidade de realizar uma curtametragem como projecto final do Mestrado de Cinema decidi ir buscar o projecto à gaveta e tentar agora produzi-lo. Apesar de agora ter mais de experiencia considero que será um grande desafio realizar um projecto desta dimensão. Acredito que à medida que passam os anos e a nossa aprendizagem na área do Cinema aumenta e se aprofunda, surge dentro de nós a vontade de elaborar projectos mais complexos, com uma outra dimensão, não só a nível de produção mas também a nível narrativo e autoral. Começamos a ponderar um pouco mais no que se pretende fazer e a tentar explorar a nível cinematográfico alguns dos conhecimentos teóricos interiorizados. Não querendo dizer com isto, que nos projectos criados anteriormente isso não tenha sido valorizado, mas esses saberes são agora vistos de maneira diferente. Não queria fazer uma produção de ficção apenas com um objectivo do entretenimento, mas que fosse também uma ferramenta de reflexão e estudo da linguagem cinematográfica, que cada plano por si tivesse um significado mais profundo do que aquilo que nos era simplesmente mostrado através da imagem, tentar criar um projecto mais autoral que reflectisse a minha concepção pessoal de cinema. Vejo o momento da produção do projecto final de Mestrado, como uma oportunidade única de experimentação, de aprendizagem e de valorização pessoal e creio que este é um dos objectivos do projecto final de Mestrado.

O olhar sobre o paralelismo Cinema-Arquitectura, considera-se um ponto fulcral no entendimento da evolução dos meios de comunicação das sociedades contemporâneas, e isso é relevante pelo facto de haver hoje uma inveterada globalização na cultura das mesmas, que surge destacadamente com a era digital. O surgimento do Cinema foi um dos marcos históricos mais importantes no desenvolvimento destes meios de comunicação e um esplendoroso e destacado meio no progresso da propagação de ideologias políticas e socioculturais. A Arquitectura sendo sem dúvida uma das artes mais importantes na responsabilidade da criação dos espaços, da sua organização e na complementação da cultura dos indivíduos, viu-se importunada pela sétima arte, tanto que se rendeu e cedeu os seus mecanismos para que esta os explorasse ainda quando tinha pouca autonomia. Pela mútua exploração que ambas as artes sofreram, por si conscientes, o documento procura na complexidade da interligação de conceitos, de olhares sobre o mundo, de criação e crítica das suas obras, expor um pouco da importância que a ficção, como dado adquirido desde que os seres humanos nascem, tem, perante um mundo coeso a uma evolução exponencial. A exploração do campo da realidade virtual, que muitas vezes, é desacreditado por ser dado simplesmente como a indagação no irreal, sem qualquer fundamento em relação às exigências da vida do Homem, mas que a verdade é que aos poucos deixa, discretamente, o seu território meramente superficial nas actividades quotidianas do mesmo, e enraíza-se nas bases da sobrevivência da nossa espécie. As problemáticas implicadas pelo cruzamento do espaço virtual com o espaço real, tem provocado no último século, uma metamorfose no comportamento do Homem, através da capacidade mais eficaz que certos mecanismos têm de saciar a procura do seu imaginário. Se a ficção não passa de uma mera irrealidade, o certo é que o Homem, vaidoso de si como ser racional, acredita e procura insistentemente encontrar nela, o fundamento essencial para a sua felicidade, o seu preenchimento interior, atribuindo-lhe o valor da razão da sua existência.

A narrativa de um filme decorre, necessariamente, em um espaço. O departamento artístico de uma produção audiovisual, comandado pelo designer de produção, é responsável por caracterizar os personagens e materializar o universo fílmico. Embora o design de produção componha, juntamente com a direção e a direção de fotografia, a tríade imagética de um filme, o número de investigações direcionadas a essa temática ainda é pequeno. Para erigir um espaço diegético, o designer de produção lança mão de cores, volumes, materiais, formas e texturas. Esse último elemento tem o potencial de enriquecer significativamente a imagem fílmica, contribuindo para o processo de imersão do espectador na história. Compreendemos o espectador como um sujeito corporificado, cujos demais sentidos, além da visão e da audição, são também evocados ao assistir a um filme. Dentre os sentidos do corpo humano, esta pesquisa direciona uma luz ao tato e, portanto, às superfícies dos materiais que compõem os cenários fílmicos e favorecem uma hapticidade imagética. Ao refletirmos sobre essa materialidade, percebemos o papel do design de produção para evocar emoções. Uma das principais emoções despertadas pelo cinema é o medo. Trata-se de uma emoção cuja longa relação com as artes e com o cinema pode ser estudada de diferentes perspectivas. Na investigação aqui empreendida, visamos esclarecer como o design de produção, ao contribuir para a criação de imagens hápticas, desperta no espectador a memória tátil e pode influenciar na construção do sentimento de medo no discurso fílmico. Para tanto, realizamos uma revisão de literatura e foram elaboradas análises dos longas-metragens The Witch (Robert Eggers, 2015) e The Lighthouse (Robert Eggers, 2019), cujos departamentos artísticos foram comandados por Craig Lathrop. Percebemos como Lathrop, ao trabalhar com superfícies texturizadas, contribuiu para a criação de cenas amedrontadoras. Destarte, a originalidade deste estudo está na busca por engendrar uma tese que relaciona o design de produção ao háptico e ao medo. A investigação, que aborda uma área ainda pouco discutida, poderá contribuir para o direcionamento de um olhar mais minucioso para o design de produção por acadêmicos, assim como por profissionais que atuam na prática cinematográfica.

Apesar de originalmente relacionada à literatura, Helena de Troia transita entre todas as artes. Da pintura ao cinema, passando pela música, o teatro e, claro, a poesia, o cariz transcendental da personagem homérica confirma a sua complexidade e a fascinação que produz no público em geral, seja leitor ou espectador. Os questionamentos acerca de suas atitudes ambíguas provocam ainda hoje discussões infindáveis, o que fez Helena tornarse uma das figuras mais emblemáticas da cultura ocidental. No entanto, a abordagem romântica da relação entre a rainha espartana e o príncipe troiano é o viés mais comum reproduzido pela indústria cinematográfica norte-americana: mulher apaixonada, leal aos seus sentimentos e fio condutor de uma trama repleta de elementos passionais que culminam na transcendental e mitológica Guerra de Troia.

O poeta português Eugénio de Andrade (1923-2005) foi um conhecedor de pintura, escultura, cinema e fotografia. Neste artigo, centrado numa perspetiva ecfrásica, analiso textos onde o autor refere e presta tributo a obras de artistas como Vincent van Gogh (1853-1890), Álvaro Siza Vieira (1933), Luchino Visconti (1906-1976) e Eduardo Gageiro (1935). Referir-me-ei ainda ao ofício dos pintores e às semelhanças que Eugénio vê entre este e a arte da escrita.

O presente relatório apresenta o processo de criação da curta-metragem Ctrl+Z, projeto final do mestrado em cinema da Universidade da Beira Interior. Este relatório se divide em três partes: pré-produção, produção e pós-produção. Relativamente à fase de pré-produção abordarei o processo de elaboração da história, relatando as mudanças ocorridas nas versões do guião, desde a primeira escrita até a revisão final, a mudança tardia da dissertação para projeto fílmico, as decisões enquanto fotografia, repérage, som direto, produção de set e direção. Tratarei sobre as questões práticas da produção, os acertos e dificuldades encontradas no momento da filmagem do curta. Por fim, detalharei as decisões posteriores, tanto técnicas quanto dramatúrgicas que se fizeram necessárias para a finalização da obra. A dramaturgia do curta "Ctrl+Z" se desenvolveu em torno do questionamento “Se você tivesse a chance de reescrever suas últimas horas, você acha que faria alguma diferença?”. A história revela um homem que revive suas ultimas 24 horas de vida, um personagem perturbado por suas dificuldades financeiras, com conflitos amorosos e familiares, um protagonista que se aproxima de uma pessoal real com seus erros e defeitos. O filme é realizado, quase que em sua totalidade, em um grande plano sequência, filmado dentro de um teatro retangular, sem paredes e sem grandes cenários, apenas com elementos cênicos essenciais, tentando trazer a sensação da instantaneidade do momento. A falta de cortes para manipulação de tempo, revela a proximidade com o discorrer de um espetáculo teatral, tendo seu início, meio e fim em tempo cronológico, enquanto a narrativa nos revela um tempo psicológico, com elipses temporais.

A morfologia do espaço urbano das cidades europeias, bem como o ritmo da sua expansão, tem vindo a seguir uma tendência há já algumas décadas. A persistência no uso das mesmas noções urbanas ao longo de séculos de expansão urbana, como a tentativa, exaustiva, de manter uma “imagem de marca” estampada nos edifícios, ruas e espaços, tem vindo a “enclausurar” as cidades europeias a uma determinada identidade, que, por um lado, homogeneíza a paisagem dos seus centros históricos e, por outro, condiciona o seu potencial crescimento urbano. A preservação, museal, digamos, dos seus centros históricos levou a um esquecimento progressivo de todas as outras regiões urbanas, o que acabou por gerar uma rutura social e urbanística entre o centro e a periferia. Estranhamente, a identidade assume-se como um dos principais fatores geradores da discrepância urbanística que se vive nas cidades europeias contemporâneas. As políticas e normas urbanas que regem estas cidades incitaram uma mentalidade que zela por interesses estéticos, ao invés de interesses benéficos para a habitabilidade e sociabilidade destas áreas urbanas. Devido, em grande parte, a este afastamento dos subúrbios para as margens da cidade e da preservação e isolamento do centro perante todas as outras áreas urbanas, foram criadas duas situações caoticamente díspares numa só cidade: o urbano e o suburbano. Recorrendo ao cinema como ferramenta de análise do espaço urbano e das incessáveis mutações da cidade, pretende-se: por um lado, aproximar as duas artes, a arquitetura e o cinema, de forma a que a sua relação forme uma abordagem de pensamento crítico sobre a evolução e representação urbana; por outro lado, auxiliar a compreensão de sociedades que, normalmente, estão viradas para si próprias, e que demonstram uma clara aversão perante a cidade e o país a que pertencem.

O gosto por novas culturas aliou-se à necessidade de encontrar novas oportunidades fora do país. É desde muito novo que tenho interesse e vontade em conhecer e explorar novos horizontes a nível internacional. Quando comecei a fazer as minhas primeiras pesquisas para encontrar a produtora ideal para mim, sempre tive como prioridade procurar um estágio internacional num país que tivesse um custo de vida relativamente baixo, mas que ao mesmo tempo me oferecesse as garantias profissionais de que necessitava. Desde inicio que me comprometi a encontrar um estágio numa produtora de excelência que tivesse envolvida em grandes projectos principalmente no ramo da publicidade. Para mim, só faria sentido fazer um estágio se fosse numa produtora topo. Tinha o desejo de poder colaborar com grandes marcas e com profissionais experientes, que me pudessem ajudar a aprender ainda mais e que de uma forma directa ou indirecta funcionassem como possíveis pontes para colaborações futuras. Para isso, sabia que tinha de procurar e de encontrar a produtora ideal para depois perceber de que forma poderia, enquanto estagiário, adicionar algum tipo de valor a essa mesma produtora. A Polónia surge então como a minha primeira escolha. Já conhecendo a realidade deste país, sabia que lá poderia encontrar as condições perfeitas não só para desenvolver as minhas capacidades profissionais, mas também de crescer a nível pessoal. Para além de ser um país em grande expansão económica, a Polónia é também um destino bastante apetecível para as grandes produtoras devido aos seus custos de mercado se revelarem baixos quando comparados com o resto da Europa, não querendo isto necessariamente dizer que a qualidade destes projectos seja descurada, antes pelo contrário. No final da Segunda Guerra Mundial, a produção cinematográfica na Polónia conseguiu voltar a erguer-se. Idealizada pelo renomeado actor Leon Schiller, a criação da Escola Superior Nacional de Cinema, Teatro e Televisão de Lódz , veio dar um novo alento artístico ao país, tendo um impacto determinante naquilo que seria o progresso e inovação das produções cinematográficas na Polónia. Tendo como referencia Andrzej Wajda, Krzysztof Kieslowski ou Roman Polanski, a escola acaba mesmo por ser considerada pelo The Hollywood Reporter, como uma das Melhores Escolas Internacionais de Cinema, confirmando uma vez mais o estatuto de “verdadeira fortaleza artística” que anteriormente lhe tinha sido atribuído. Desta escola, surgem agora inúmeros profissionais que vão criando e povoando as melhores produtoras polacas, trazendo assim uma qualidade superior aos seus projectos e estruturas. A esta garantia, acrescento ainda o facto de a Polónia ser um país que está bem posicionado geograficamente garantindo-lhe mais facilidade para as suas vastas colaborações internacionais. Foi este um dos parâmetros que tive em consideração na pesquisa por produtoras. A língua Polaca seria com toda a certeza um dos meus pontos fracos, portanto, tinha de garantir que a produtora teria projectos onde o uso do Inglês ou Português fosse o mais recorrente possível. É assim que surge a OTO Film que tem como estatuto ser uma das melhores produtoras a actuar na Polónia e no seu portfólio conta com inúmeras produções internacionais. Das quais destaco a empresa Biedronka, a maior cadeia de supermercados da Polónia e pertencente ao grupo empresarial português Jerónimo Martins SGPS, S.A.. Após os primeiros contactos e envio do currículo e carta de motivação, a produtora achou que as minhas qualidades profissionais e o facto de o meu idioma ser Português, poderiam ser uma mais valia para a empresa. Após a devida análise, foi-me então dada a confirmação de que estavam reunidas as condições necessárias para em breve vir a ser um novo elemento da OTO Film. Este documento surge agora com o objectivo de relatar a minha experiência profissional e também pessoal destes 6 meses além fronteiras. Os diversos desafios que me foram propostos serão aqui descritos detalhadamente, tal como todas as actividades que fui desenvolvendo na OTO Film. Sempre que possível, farei referência aos conteúdos que aprendi durante o meu primeiro ano de mestrado e explicarei de que forma é que os mesmos se revelaram um suporte importante para concluir este estágio com sucesso.

O presente relatório apresenta uma descrição e reflexão sobre o meu trabalho como Diretora de Fotografia da curta-metragem HAFRA, realizado como projeto final do curso de Mestrado em Cinema na Universidade da Beira Interior. Todo o processo do trabalho foi feito ao decorrer do ano lectivo 2021/2022, onde em uma primeira parte no primeiro semestre foram feitas pesquisas para início da pré-produção e das rodagens, sendo no segundo semestre estipulado como prazo para pós-produção e finalizações em tratamentos de imagens. Por meados de fevereiro de 2022 demos início ao trabalho cinematográfico, onde em uma fase inicial o processo de pesquisas e referências foram iniciados, seguindo com a elaboração do tratamento estético e criação da shotlist do projeto, além dos testes de câmaras e ensaios com o elenco e equipa técnica. Na segunda parte do projeto, ficou estipulado como tempo para a montagem e a pós-produção do filme O principal objetivo da cinematografia foi de aproximar o filme de um tratamento plástico do realismo mágico, além de também agregar em outros componentes que adiante serão explicados neste relatório.