O presente artigo pretende ser um encontro entre metodologias e diretrizes pedagógicas para o Ensino Superior e a docência em licenciaturas de formação artística, mais especificamente, na área de Cinema. Habitualmente leciona‑dos por antigos profissionais ou investigadores da área, sem uma formação pedagógica que os/as prepare para a exposição pública inerente à atividade de docente, nem tão pouco para a sistematização de conteúdos adequados ao corpo discente, estes cursos são também frequentados por alunos/as com necessidades, expectativas e referências heterogéneas, tornando par‑ticularmente necessários o debate e a reflexão sobre modelos e técnicas a aplicar em aula. No caso de estudo que aqui se apresenta, a regência da unidade curricular de História e Estética do Cinema Português, na Universidade da Beira Interior, atribui o mote a uma breve dissertação em torno de objetivos e metodologias com potencialidade de adaptação à formação de futuros/as cineastas. A tentativa de equilíbrio das vertentes teórica e prática, bem como a necessidade de preparação para o mercado de trabalho – no qual, por tratar‑se de uma disci‑plina de final de curso, alunos e alunas irão previsivelmente entrar nos meses seguintes – têm ditado a evolução da experiência, permitindo‑nos chegar a algumas conclusões sobre novos modelos educativos e a sua aplicação ao Ensino Artístico.

A discussão sobre a Investigação nas artes e na arquitectura, enquanto práticas dotadas de metodologias próprias e com potencial para serem consideradas formas válidas de produção de conhecimento, é central em muitos debates contemporâneos nas humanidades e ciências sociais. Para abordar esta hipótese, podemos dividir a discussão em três áreas principais: Da Natureza: Investigação em Artes e Arquitectura Das Metodologias: Regras Próprias Da Validade e Valor do Conhecimento Produzido

O presente artigo pretende ser um encontro entre metodologias e diretrizes pedagógicas para o Ensino Superior e a docência em licenciaturas de formação artística, mais especificamente, na área de Cinema. Habitualmente lecionados por antigos profissionais ou investigadores da área, sem uma formação pedagógica que os/as prepare para a exposição pública inerente à atividade de docente, nem tão pouco para a sistematização de conteúdos adequados ao corpo discente, estes cursos são também frequentados por alunos/as com necessidades, expectativas e referências heterogéneas, tornando particularmente necessários o debate e a reflexão sobre modelos e técnicas a aplicar em aula. No caso de estudo que aqui se apresenta, a regência da unidade curricular de História e Estética do Cinema Português, na Universidade da Beira Interior, atribui o mote a uma breve dissertação em torno de objetivos e metodologias com potencialidade de adaptação à formação de futuros/as cineastas. A tentativa de equilíbrio das vertentes teórica e prática, bem como a necessidade de preparação para o mercado de trabalho – no qual, por tratar-se de uma disciplina de final de curso, alunos e alunas irão previsivelmente entrar nos meses seguintes – têm ditado a evolução da experiência, permitindo-nos chegar a algumas conclusões sobre novos modelos educativos e a sua aplicação ao Ensino Artístico.

Este trabalho tem como propósito analisar o uso da palavra como “ferramenta” para ensinar Filosofia. A escrita circula entre três caminhos inerentes a vida: pensar, sentir e agir. O tema é a arte de ensinar Filosofia. O objetivo é de refletir sobre o desafio de ensinar Filosofia por meio de uma linguagem que estimule o pensar por si, provoque “novos” pensamentos a “boas” ações diante das circunstâncias da vida. Essa linguagem representa o dizer filosófico em prol da transformação de si. Isso ocorre quando há uma tensão desse dizer entre a formalidade e a criatividade. Essa tensão representa um “jogo” no enfrentamento das forças da linguagem “prisioneira” pela razão a qualquer custo e das forças da linguagem “liberta” pela arte. A metodologia é teórica e está baseada nos escritos de Nietzsche. Bem como, a justificativa está amparada na ótica nietzschiana de que a vida se passa no universo da linguagem. O problema consiste na seguinte questão: a palavra, no momento de ensinar e aprender Filosofia, afeta e provoca um pensamento transformador, criador de si e afirmador da vida ou ela só é usada para comunicar, instruir com o objetivo de transmitir ideias formatadas? Esse problema implica numa provocação para se pensar nas seguintes questões: primeira, acerca do aprendizado da língua materna nos estabelecimentos de Ensino, sobre o cultivo de uma “língua morta” oriunda de uma tradição filosófica presa a abstrações, em detrimento da “língua viva” presente na vida concreta. Segunda, em relação a palavra como pulsão e afeto diante das circunstâncias da vida. Por fim, quanto às experiências e às vivências na prática de ensinar e aprender Filosofia. Nisso, a arte e a filosofia precisam estar unidas para exprimir sentires e pensares que se manifestam nas formas criativas e intensas no dizer a palavra no momento de ensinar e aprender Filosofia. Assim, mostrar a necessidade de dominar a língua materna e “ruminar” os textos filosóficos, priorizando nesses textos a interpretação e não a explicação em busca da verdade absoluta. Sustenta-se, portanto, a hipótese de que o dizer filosófico afeta quando ensina a pensar por si, a sentir diante das vicissitudes da vida e a agir com coragem. Logo, defende-se nesta Tese a inserção da linguagem como arte no âmago da Educação filosófica, fomentando a diferença e a criatividade em detrimento da padronização. Com isso, transmutar o modo do dizer “técnico”, padronizado, para a maneira de dizer “criativa”, provocativa no momento de ensinar e aprender Filosofia.

Artes e poéticas cotidianas. Esta pesquisa, que se apresenta como uma conversa acerca das redes educativas, dos currículos e dos tantos ‘espaçostempos’ escolares, conta um pouco da minha trajetória como estudante, pesquisadora e professora de Artes da rede pública da cidade do Rio de Janeiro junto das imagens, este artefato ‘sensóriovisual’ que me acompanha desde a infância. Ao entender a potência dos encontros e das narrativas como metodologia de pesquisa com os cotidianos, esse texto se liga aos seus movimentos de caos e belezas pelas fabulações e pelos blocos de sensações que as artes proporcionam e proporcionaram às criações curriculares durante o período de isolamento social determinado pela pandemia mundial de Covid-19. A partir das dimensões ética, estética, política e poética da educação e de alguns acontecimentos que escorregaram dos controles de nossos ‘corposmentes’ e por entre as barreiras ilusórias das disciplinas, um devir-currículo experimentador de mundos e de possibilidades com as artes também foi possível ser criado longe das estruturas físicas das escolas. Esse apanhado de criações e resistências, de realidades e ficções, desemboca em um texto cheio de afetos, cores, imagens e sentimentos. Certeau, Deleuze, Guattari, Gallo, Pallasmaa, Alves, Martins, entre outros pesquisadores com os cotidianos me auxiliaram teoricamente nessa caminhada.

Essa Dissertação apresenta uma proposta de pesquisa que tem por objetivo discutir como a interdisciplinaridade entre Ciências e Artes pode contribuir e estimular um ensino mais crítico e investigativo no Ensino Fundamental. O domínio da leitura e da escrita é considerado de suma importância para a aprendizagem dos saberes e desta forma, muitas vezes, o ensino de Ciências apresenta-se reduzido ao uso de livros didáticos e lousa. Principalmente, nos anos iniciais, os alunos apresentam curiosidade, criatividade e sensibilidade, de forma que nada seria mais natural que trabalhar o ensino de Artes e de Ciências concomitantemente. Sendo assim, a Alfabetização Científica pela arte torna-se primordial nos anos iniciais do ensino fundamental, colaborando com um processo de ensino aprendizagem mais lúdico, com atividades práticas e tendo o aluno como protagonista capaz de argumentar, construir seus conceitos e contribuir com a sociedade. A pesquisa analisou a formação dos professores dos anos iniciais do ensino fundamental e como esta influencia na maneira de ensinar os conteúdos de Ciências em sala de aula. Ficou claro que há a necessidade de se investir mais na formação inicial e formação continuada dos futuros pedagogos para que haja um efetivo ensino de Ciências nas escolas. Além disso, este trabalho elaborou uma proposta de aplicação e análise de uma Sequência Didática de Ciências com Artes para trabalhar o tema “As Estações do Ano” com os alunos do 1º ano do ensino fundamental. A partir desta proposta piloto, foi elaborado um e-book como produto educacional composto por Sequências Didáticas de Ciências com Artes que objetivam proporcionar ao docente conhecimento e motivação para trabalhar com assuntos que não foram abordados na sua formação inicial.

This work develops a research of the State of the Knowledge with the objective of investigating how the Teaching of the Theater in the School Education has been discussed in the dissertations and theses of Graduate Programs Masters and Doctorate in Scenic Arts. We selected three older programs from public universities and from different regions that had the works available on the online page. They are Graduate Program in Performing Arts of the Federal University of Bahia (UFBA), Graduate Program in Performing Arts of the University of São Paulo (USP) and Graduate Program in Theater of the State University of Santa Catarina (UDESC). The theoretical basis of this work was the Critical Theory of Society, especially in Adorno, Horkheimer, Benjamin and Marcuse, who even with theoretical differences contributed to problematize the object. We find that theorists Walter Benjamin, Theodor Adorno and Marx Horkheimer of Critical Theory appear tangentially in the discussions. Benjamin is quoted in 9 works to discuss experience, narration, mimesis, modernity and childhood. Adorno in 1 work to highlight the importance of emancipation in education and Adorno and Horkheimer to highlight the critical reason. The teaching of the theater is considered important to develop human existence and the specific dimensions of creativity, the relationship with the community and a work only to learn the content of writing and does not have the show primarily as an end. The research developed was carried out by the Post- Graduation Program in Education of the Faculty of Education / FE of the Federal University of Goiás, in the MINTER agreement in Education UFG / IFMT 2015.

Por que não basta mais estar na ordinariedade off-line do aqui-agora? Partindo da premissa de que há nas atuais práticas de mediação algo que escapa ao simples cooptar mercadológico da subjetividade, veremos no ato de ininterruptamente tocar telas a busca por um desejo comum às práticas da meditação: o desejo de ilimitado, ou de iluminação. Para tal, o presente estudo visa investigar tal desejo cruzando mediação e meditação a partir do seguinte problema de pesquisa: como o desejo de onipresença vem produzindo modos de expansão do substrato biológico? . Investigaremos tal questão a partir de uma tríade metodológica que teoricamente alia uma arqueologia dos meios (PARIKKA, 2012) à experiência (FOUCAULT, 2011a) prática de uma etnografia sensorial (PINK, 2009) organizada formalmente através de um jogo vampyrotheutico (FLUSSER & BEC, 2011) de analogias que se complementam tal qual um espelho invertido (BERNARDO, 2011), materializando aquilo que Flusser urgia por uma fenomenologia do corpo (FLUSSER, 1974). Conceitualmente, entenderemos mediação e meditação enquanto modalidades de expansão operacionalizadas a partir da noção de antropotecnia, ou seja, técnicas pelas quais as comunidades da espécie humana e os indivíduos que as compõem agem sobre sua própria natureza animal com o intuito de guiar, expandir, modificar ou domesticar seu substrato biológico (ROMANDINI, 2012, p. 9). Neste percurso, organizaremos o trajeto de pesquisa em três capítulos: 1) mediação, 2) meditação e 3) medi(t)ação. No primeiro, sistematizaremos o desejo de onipresença a partir de uma arqueologia material da tela dividida em três etapas: telas e choques; telas e pontos; e telas e ondas. No segundo, sistematizaremos o desejo de ilimitado mediado não mais pela tela de smartphones, mas sim pelas sete telas internas da mente (ÁNANDAMÚRTI, 2005) a partir de uma arqueologia material da mente dividida em três etapas: mente e ondas; mente e ponto; e mente e choque. Por fim, na última fase intitulada medi(t)ação , investigaremos o encontro entre mediação e meditação, mente e tela (PEPPERELL, 2006) a partir de uma economia geral da luz que visa reprogramar os afetos de modo a fazer do corpo um corpo de luz tal qual o modelo do corpo ressurreto de Cristo (ROMANDINI, 2012). Esperamos que o traçado desta longa e descontínua caminhada de quatro anos possa dar visibilidade aos limites em jogo no tão humano desejo de querer ser mais que o corpo

Esta tese consiste numa investigação sobre a relação de interdisciplinariedade e transversalidade entre cinema, artes e humanidades em Salvador e no Recôncavo, entre os anos de 1950 e 1970. Para além da atuação do crítico e historiador Walter da Silveira à frente do Clube de Cinema da Bahia, e de seu diálogo com uma emergente cena da crítica e do cinema independentes no Brasil, defendemos que essa produção só foi possível a partir de uma forte interação com o desenvolvimento de outros campos artísticos e áreas do conhecimento, constituindo-se como parte de um ecossistema cultural e artístico que corresponderá às profundas mudanças sociais, culturais e subjetivas vividas pela cidade de Salvador, a partir de seu processo de modernização urbana, artística e cultural. É dentro desse ecossistema que é possível identificar o surgimento de práticas, técnicas e conceitos artísticos que se alimentam e retroalimentam, dentro de um processo de convergências/divergências/interdependências entre as condições de produção e reprodutibilidade, bem como de diferentes concepções de mundo, de arte, de cultura, do moderno, do popular e da agência afro-descendente na constituição de uma cinematografia no estado nesse período. A partir de um olhar atento à multitemporalidade das imagens e ao pensamento da história da cultura, sob a perspectiva de modelos temporais heterogêneos, buscamos incorporar a experiência de sujeitos históricos marginalizados, em seus gestos de resistência, sobrevivências, combates, mas, sobretudo, em suas redes de relações vitais, capazes de afirmar novos devires criativos e novas potências de vida

Esta dissertação tem como foco analisar, discutir e catalogar, de forma comentada, desenhos e aquarelas de indumentárias históricas europeias dos séculos XV, XVI e XVII por Sophia Jobim, realizadas entre os anos de 1940 e 1960. A coleção, atualmente, encontra-se no Museu Histórico Nacional, no Rio de Janeiro. O conjunto é digno de menção, e sem nenhum precedente no âmbito brasileiro. Nesta dissertação, pontualmente, trago diálogos entre os campos das artes visuais, da indumentária e da história da arte. Ademais, proponho uma catalogação comentada parcial dos desenhos e aquarelas dos séculos selecionados, no intuito de apresentar um discurso teórico e imagético de forma a contribuir para o campo da Indumentária no âmbito brasileiro