A presente tese Ensino de Performance e Descolonização na América Latina é uma reflexão sobre possibilidades educativas em performance art. Pesquisa que tem como enfoque metodologias de ensino em performance na América Latina e sua potência decolonial. Nesse sentido, busca-se identificar as propostas metodológicas, procedimentos, temáticas, apontamentos conceituais que sustentam as práticas pedagógicas de diferentes artistas investigados, e refletir sobre a potência decolonial desses processos formativos/educativos por vias da arte da performance. O recorte da presente abordagem prioriza performances que dialoguem com processos decoloniais, feministas, interseccionais. Compreende o performer como um cronista do seu tempo/espaço, que reflete e problematiza os fluxos, formações e composições contemporâneas. As práticas, procedimentos e conceitos desenvolvidos nos programas performativos dos diferentes artistas são pensados no contexto da pesquisa enquanto modo de descolonizar nossos corpos, imaginários, saberes e criar complicações em torno de representações vigentes, ampliando noções de identidade e diferença em seu lugar de trânsito: o corpo

The article analyzes the meaning of the binomial Woman-Tree through Fina Miralles’ work, pioneering artist of Catalan Conceptual Art. It also examines the connection various women artists who explore this theme within their work. They all share the use of the Woman-Tree image as a clear reference to female fertility and the meaning of the life cycle. Finally, it raises to what extent how the proposed work operate as an ecological report within the framework of ecofeminist thought

This thesis examines two works of contemporary dance, Marie Chouinard’s Jérôme Bosch: Le Jardin des Délices (2016) and Mathieu Geffré’s choreography for the ESD company Froth on the Daydream (2018), as examples of intermedial translations into dance. In doing so, it proposes a conceptualization of translation through the lens of theatrical dance. In the last decade, the concepts of multimodality and intermediality have prompted a revision of inherited notions of text, language, and translation. This has led translation scholars to stretch their definition of translation so as to include text produced in and through other media, including dance. A number of articles and book chapters from the fields of Dance, Literary, Intermedial and Translation Studies have been published that make the case for the usefulness of the concept of translation for interpreting dance performances. Building on these works, this thesis reverses the question and asks how theatrical dance can help us understand intermedial translation. It does so by mapping the “implicative complex” (Tyulenev, 2010: 241-242) of dance, such as creativity, ephemerality, and the dramaturgy of bodies, onto the realm of translation. The theoretical framework is tested on two very different case studies: Chouinard’s choreography is based on Hieronymus Bosch’s painting The Garden of Earthly Delights, while Geffré’s on Boris Vian’s novel L’Écume de Jours. The methodology combines live attendance at the performances with footage analysis and ethnographic methods such as semi-structured interviews and participant observations. The first case-study focuses on issues of agency in translation, while the second looks at the way in which intermedial translations constitute “performative acts of memory” (Plate and Smelik, 2013: 2), comparing Geffré’s choreography with previous intermedial translations of Vian’s novel into film, opera, and graphic novel. Translation emerges as a creative and corporeal (and therefore political) practice deeply intertwined with issues of memory and struggles for representation. The analysis of the case-studies, together with the theoretical work that precedes it, contributes towards a redefinition of translation within the field of Translation Studies.

This work of practical and theoretical investigation, aims to present the empirical exploration of the artistic creation in progress: the project [Des]segredo, which consists in the composition of site specific audio performance pieces, of conscious conducive and dreamlike narrative, delegated to the public, having the act of walking as a basic premise and also by creating a time/space momentum to share a secret. For this purpose, the concept of Drift is investigated, through its linguistic meaning, looking at the errant discovery of the flaneur and also observing, from the situationist bias and its aspirations for social transformation and for an emancipated political engagement, the potentiality of the participatory and relational nature of these movements, also present in the work of some selected artists, presented as important references. The possibility of expansion of the operative territories of Art in the context of wandering and participation is also observed. The problematic around the construction of an imaginary and unusual universe, that distances itself from the colloquial realism, to create introspective landscapes and relational fables, in the guided audio performances, is raised to the extent that they are covered in a utopian sound environment, where the displacement of the artist or of the one who guides, the work in movement and successively, of the spectators, is an integral part of the concept. This work therefore incorporates, as a fundamental element, another important premise: the power of the voice, as an affective medium for abstraction and expansion of consciousness and spiritual inquiry. In a first movement, this thesis develops some theoretical considerations about the concept and social function of the Secret and its unfolding, like the concept of Enigma, and then goes through the notions of Game and investigates the mode of poetic expression, and then analyzes, in parallel with the Drift, the questions raised by the paradigmatic need to come from the concreteness of space to the dematerialization of the real and of the Art itself, to the sensorial edification of a fantastic and affective environment that is ready to the transplantation of its creative matrix, to the territories in which it naturally expands, in time, space and resonance.

We live in the midst of a society immersed in the effects of digital content technology. One of the issues to think about the actuality arising from this moment concerns the exploration and the tools used in the networked environment, still in parameters based on activities whose first experience came from the real, in the empirical field. It is in the sense of investigation and exploration of this space that this research is applied to the process of online curation, the creation of the website, as an online platform. The project was created as an alternative to nonpresential times, the search for other ways to exhibit through the assembly of the online exhibition Mulheres e Inserções Digitais. The curatorship applied in the network system takes into account the virtual space and in this field, there are countless possibilities for curators to assert themselves in the field of arts. Thus, it is significant to follow a path about this specific practice, the creation of the online exhibition as an alternative support, how it is carried out and the questions it raises.

O período entre 1926 e 1945 foi marcado pelo processo de profissionalização do fado e pela introdução de uma lógica comercial, o que foi acompanhado pela busca de uma afirmação sociocultural e do seu reconhecimento como canção nacional. O meio fadista era então atravessado por dinâmicas conflituais, por lideranças marcadas por um radicalismo político e pelo fortalecimento progressivo do jornalismo. Nesta conjuntura, intensificou-se um processo de metamorfose latente que marca o fado. Este trabalho pretende analisar os elementos religiosos que são reconhecíveis nessa mutação, nos discursos em que o fado se diz a si próprio, considerando-se oração e religião, e nas divergentes representações e opiniões que dele circulavam no espaço público. As dinâmicas de religiosidade e de espiritualidade também subsistem nas suas mitologias, nos espaços e nas sociabilidades que concitou, nos matizes deterministas que transportou ou na densidade existencial que construiu. Na poética popular, concretamente na abordagem vivencial em que se cantam os contrastes sociais ou os vínculos afetivos, bem assim na gestualidade em que o fado se exprimiu, o religioso participa na produção de sentimentos, de imagéticas e de normatividades.

Esta tese explora os desafios estéticos e pedagógicos sobre a presença e a ausência do ator na cena contemporânea, a partir das interações indissociáveis entre o humano e o inumano, rompendo dicotomias em quatro momentos estruturais. O primeiro compõe-se por um percurso trans-histórico dos estudos de teatro e de performance, amparado por teorias de artistas e de críticos do teatro. Com foco contínuo na indispensabilidade do “outro” nas inter-relações, inicialmente resgata-se a iminência do inumano como ator na produção de teatralidade, através de autômatos, maquinarias, marionetes e atmosferas oníricas, em compasso aos preconceitos contra a mimese humana. Contra a fixação ontológica de conceitos, confrontam-se e conectam-se ideias de teatralidade, de antiteatralidade e de performatividade, como movimentos interdependentes um do outro. Sob a égide da produção como percepção, e vice-versa, discutem-se a cena e as ações do ator, propondo-se uma teatralidade expandida operacional composta pelo cruzamento de arte, filosofia, ciência e tecnologia. No segundo momento, constroem-se pontes entre princípios norteadores de Kantor e Grotowski, por meio dessa teatralidade expandida aplicada às interações humano-inumano em suas fases artísticas, integrando disciplinas não artísticas influentes de seu tempo, especialmente a psicologia de Jung (inconscientes individual e coletivo), a fenomenologia de Merleau-Ponty (percepção) e de Lévinas (alteridade), além da interdisciplinaridade filosófica de Gumbrecht. O inumano estende-se a objetos, manequins, elementos da natureza, espectros, fantasmagoria, impulsos, matérias, entidades visíveis e invisíveis, mitos-arquétipos e inconsciente, e, reciprocamente com o humano, compõe um corpo-objeto. Princípios como fenômenos, guiarão e serão guiados no terceiro momento pela intermidialidade do teatro-cinema e do teatro robótico, que são representados por câmeras, imagens e robôs. Estes inumanos, mídias articuladas aos humanos, corpos-objetos, refletem a presença e os efeitos de ausência do ator no espaço cênico hipermidiático, propondo novos modos de sua presença com o apoio de filosofias mais recentes herdadas de Merleau-Ponty, como a de Lévy (virtual e inteligência coletiva) e a de Didi-Huberman (percepção), e iniciando o diálogo com outras plurais, como as teorias dos afetos (linhagem spinoziana/deleuziana) e do pós-humanismo. Com estas, as neurociências e a robótica, e sob os domínios HHI e HRI, ampliam-se no quarto momento, quando quatro espetáculos contemporâneos contribuirão para desenvolver a qualidade funcional da teatralidade expandida, operacionalizando ação e cena. Analisam-se as interações humano-inumano transdisciplinarmente em dois espetáculos com atrizes humanas e dois sem atores: 1) câmera, atriz e espectador, 2) máquinas, materialidades e espectador; 3) andronoide e espectador, 4) ginoide, atriz e espectador. Partindo das investigações entre teatro e neurociências de Gabriele Sofia, e duma neurofenomenologia que integra a neurociência cognitiva e a fenomenologia, sugere-se, em conclusão, a necessidade de criação duma neurofenomenologia do teatro, para fomentar a integração entre inteligência artificial e inteligência coletiva. Considera-se, assim, a conexão dos fenômenos, como os de Kantor e Grotowski, com ênfase em seus pensamentos sobre o objeto e as ações físicas, para uma transculturação e uma diversidade humana na regeneração teatral com todos os elementos inumanos, naturais e artificiais.

The article explores the creative processes in some works of Maya Watanabe, in particular transactions that involve cinema and visual arts. The research, the investigation field, the passage to the desk, the development of the work and the way to expose the screens in space. Maya Watanabe thinks the space, the picture, the scene, the assembly, the dimension of language, time and narrative as composition of the work force

Este trabalho propõe um estudo das peças teatrais de John Cage (1912-1992), categorizadas aqui em três géneros distintos: walk, lecture performance e musicircus. Estas peças teatrais conduzem à percepção de sons e acções diárias, ao mesmo tempo que o seu processo pretende imitar a natureza no seu modo de operar, o que implicará questionar se tais performances nos ajudarão a ter consciência da ausência de separação entre arte e vida, tentando perceber o objectivo de Cage em derrotar essa dicotomia. Cage tinha partido da música, mas a música não se revelaria suficiente para a concretização plena da sua proposta artística na sua relação com a natureza. Na mesma altura em que Cage começa a produzir peças teatrais, também incorpora o acaso no seu método composicional para logo depois incluir a indeterminação. Mas será que estas ideias estão relacionadas? Como olha Cage para a natureza? E como é que o acaso e a indeterminação têm aqui lugar? Existirá acaso no mundo? E indeterminação? Estará essa possível existência relacionada com o seu processo e com a sua ideia de obra de arte? E se estes espectáculos teatrais se revelam como uma experiência estética muito mais próxima da experiência perceptiva do dia-a-dia, proporcionada pela junção de estímulos visuais e auditivos, de acontecimentos não relacionados entre si, dispersos, mas simultâneos, então não será esta uma experiência capaz de oferecer ao espectador uma consciência do modo como percepciona e conhece o mundo?

This project explores the heritage of Ricardo Wagner Braga, my uncle - who was chasing me around the house, dressed as a witch - as a possibility of creating an updated, festive and erotic cartography of the world. The inheritance is a box with personal archives collected in the 1970s, 1980s and 1990s. The geographical collection includes seventeen Brazilian states (Amazonas, Pará, Pernambuco, Sergipe, Paraiba, Ceará, Bahia, Mato Grosso, Federal District, Goiás, Espírito Santo, Rio de Janeiro, Sao Paulo, Minas Gerais, Santa Catarina, Paraná, and Rio Grande do Sul); and fourteen countries (Angola, Chile, United States of America, Peru, Panama, Portugal, Canada, Italy, Spain, Netherlands, England, Israel, Iraq and Switzerland). This collection, among the objects, contains: two hundred and fifty-four city postcards, written and stamped, exchanged with about one hundred and sixty women and men (80% men, 90% Brazilians); two hundred and fifty postcards from cities with no stamp and signature; identity documents; love letters; longing letters; personal photographs; photographs of ‘male mermaids’; diary sheets; a drawing of "Miss Universe"; postcards sent by me; Christmas' cards; ‘saints of death’; among others. This project - based on concepts by Clarice Lispector, Giorgio Agamben, Georges Bataille and Mikhail Bakhtin - proposes to be a utopian gesture to update Ricardo's archives and heritage, deceased as a result of AIDS, in the year two thousand and eleven. This gesture was made with Love and eight movements: four videos, three performances and the writing itself. These movements cover thirty-three percent of all inheritance and contain multiple possibilities: material; immaterials; aesthetic; iconographic; mythological; poetic; spiritual; magical and intuitive. I called this gesture "Geography of Love." An atlas - cathartic, liberating and magical, like the fairy tales - that celebrates our dead and ancestors.