O presente artigo tem por objetivo analisar o filme Her, dirigido e roteirizado pelo realizador estadunidense Spike Jonze em 2013, com vistas a explorar as relações entre sociedade e tecnologia propostas pela obra cinematográfica. Neste sentido, destacam-se no filme a problemática da solidão do indivíduo e os conflitos relativos à alteridade potencializados e mediados pela relação do homem com a tecnologia, temas caros à sociedade contemporânea.

Num tempo global em que os artistas há muito deixaram de se fixar apenas nas formas e nos media tradicionais, designadamente no âmbito da Pintura e da Escultura, com recurso aos mais diversos materiais e mecanismos, incluindo a deslocação de objectos de uso quotidiano para o espaço da comunicação artística – as feiras de arte, as bienais e as galerias têm preferência sobre o museu - priorizando a atracção de públicos, através de meios como a fotografia, o vídeo, as instalações ou a performance, a par de uma cultura do acontecimento afastada de preocupações de carácter identitário, onde impera a banalização de atitudes acríticas, e em que cada vez mais se sente a ausência de regras para definir uma obra de arte, importará reflectir sobre as ligações que podem ser estabelecidas entre a auto-imagem pintada e a auto-imagem apresentada na selfie.

Que espaço ocupa o retrato num panorama que dá tanta ênfase ao corpo? É caso para dizer que o corpo, a partir das últimas décadas do século XX, se tornou num significante despótico que subordina qualquer expressão artística chegando mesmo ao ponto de afectar a prática do retrato ousando eclipsar daquilo que com ele estava mais conotado: a imagem de um rosto. Partindo do conceito de visagéité de Gilles Deleuze e Félix Guattari e das noções “paisagens-corpos”, “paisagens-rostos” e “devir-rosto” desenvolvidas por José Gil, predentemos com este ensaio reflectir sobre um processo que aqui designamos de “transferência de funcionalidade”, através da qual o corpo se torna “rosto”.

O nosso objetivo é analisar uma série de retratos poéticos esboçados na obra do poeta português Herberto Helder. Partindo da importância do gênero artístico frequentemente evocado na obra, tentaremos mostrar como o retrato ultrapassa as referências claras ao gênero para configurar uma das práticas literárias fundadoras da obra herbertiana. Propomos considerar a obra como um corpus constituído por uma montagem temporal onde o retrato surge como figurações do rosto autoral.

O presente artigo analisa de que forma o uso da história como narrativa textual e ideológica se assume como uma estratégia e tema literários no romance gráfico realista Peterloo: Witnesses to a Massacre, publicado colectivamente em 2019 pelo historiador Robert Poole, autor do recente estudo Peterloo: The English Uprising (Oxford University Press), também baseado em 400 relatos de testemunhas coevas, e pelos artistas Eva Schlunke e Polyp. Analisamos a forma como o romance é constituído sobretudo por imagens ficcionadas a partir das fontes históricas coevas e por citações desses mesmos documentos que permitem ao leitor criar a ilusão de um contacto mais directo com o passado textualizado e imaginado através das ilustrações, que, por seu turno, funcionam também como narrativas autónomas e alternativas.

Leitura crítica das obras parque das ruínas, de Marília Garcia, e Manual do Condutor de Máquinas Sombrias, de Rui Pires Cabral (ambas de 2018), com vista a uma problematização dos modos e do valor do vínculo que em ambas se propõe entre a expressão verbal e a impressão fotográfica, muito em particular a de carácter retratístico.

A lo largo de la historia de los dispositivos ópticos y audiovisuales nos encontramos con la representación-narración y la representación-atracción, siendo la televisión ejemplo de esta última, aunque incluya ficciones y otras producciones más propias de la primera. La confusión entre lo que pertenece a una y otra ha llevado mayoritariamente a los escritores españoles a deslegitimar culturalmente dicho medio desde la época del franquismo hasta la actualidad y, por el contrario, a legitimar las ficciones de producción extranjera, por parecerles más próximas a la narrativa y el cine de calidad, instalándose en una perspectiva literariocentrista y cinecentrista que choca con el heterocentriscmo cultural propio de nuestra época.

La imagen de José Enrique Rodó tiene su origen en los primeros retratos que realizaron sus contemporáneos y que, con algún leve cambio de matiz, se ha mantenido hasta hoy. La seriedad y aparente serenidad de su figura, que se refleja en los retratos fotográficos, tienen su correlato en el estilo clásico y armonioso de su prosa, de manera que desde muy pronto surge un Rodó estatuario, que solo pareció ensombrecerse al final de su vida, según sus retratistas. Este artículo recorre los testimonios de sus coetáneos y de sus principales biógrafos para esbozar un retrato del escritor uruguayo, que continúa parcialmente oculto tras el bigote y las gafas.

O artigo terá um foco duplo de leitura crítica: a produção poética do autor português contemporâneo Luís Miguel Nava, analisada a partir de um corpus constituído por duas obras específicas, O céu sob as entranhas (1989) e Vulcão (1994), obras estas que serão colocadas em diálogo, a partir de uma abordagem comparatista intermedial, com a série televisva britânica Black Mirror (2011), uma produção da provedora Zeppotron, posteriormente comprada pela afamada Netflix, escrita pelo argumentista Charlie Brooker. Esta série será por sua vez alvo de análise a partir de três episódios: “Be Right Back” (2013), “Playest” (2016) e “Black Museum” (2017). Assim, ressaltando noções teóricas centrais ao perfil dos dois campos mediáticos estudados, será explorado o tema da monstruosidade sob uma perspetiva contemporânea, dando relevo ao tópico do corpo. O trabalho visa contribuir globalmente para um entendimento dos objetos literários contemporâneos em articulação com outros produtos da cultura de massas, como os televisivos, entre os quais se tecem cada vez mais nexos intertextuais alternativos.